Arcadia

2010-10-11T22:07:00.011+02:00

LA RED SOCIAL

Resulta ridículo tratar de minimizar el alcance de las redes sociales en el mundo de hoy. Por tanto, no es baladí que se cree una película sobre este fenómeno. Tal y como podemos escuchar en el nuevo film de David Fincher, “en Bosnia no tienen carreteras, pero tienen Facebook”. Por supuesto, resulta una afirmación exagerada, pero en Bosnia, al igual que en otros países, Facebook ha logrado ya mayor popularidad que, incluso, el gigante Google.

Así, en “La red social” somos espectadores de excepción del descenso a los infiernos del joven Mark Zuckerberg, quien bien pudiera ser considerado el Bill Gates del siglo XXI. El padre de Facebook se nos presenta como un chico introvertido que intenta superar sus frustraciones sociales dejando en evidencia a quienes lo rodean. De hecho, la creación de Facebook tiene su origen, precisamente, en la envidia y la venganza. Pero ese ser, en muchos aspectos deleznable, tiene también una cara B. Y es que Zuckerberg puede ser visto como un chico solitario cuya única meta es, a fin de cuentas, querer y ser querido. Ese tipo multifacético es interpretado de forma extraordinaria por Jesse Eisenberg. En el reparto lo acompañan Justin Timberlake y Andrew Garfield.

“La red social” tiene ritmo, dinamismo, gancho. Todos sabemos cómo va a acabar la película antes de que empiece, principalmente, porque el final de Facebook y de Zuckerberg aún están por escribir. Pero, a pesar de eso, el film engancha al espectador gracias, entre otras cosas, a la armonía del binomio drama-humor y al oportuno uso de una estructura no lineal que remarca los puntos de giro del relato. Hay, además, algún que otro brillante recurso técnico; apunten: escena de la regata de los hermanos Winklevoss. Por cierto, los papeles de esos hermanos gemelos los interpreta un único actor: Armie Hammer.

Este último trabajo de Fincher merece ser alabado también por su valentía. No puede ser fácil retratar a alguien como Zuckerberg y salir airoso. De la misma manera, “La red social” hace un retrato colectivo de nuestra cibersociedad y de sus mecanismos. Desde luego, una película tan osada no deja indiferente ni al nativo digital ni al inmigrante digital y, tras verla, tanto unos como otros se preguntarán qué más fenómenos nos deparará el revolucionario mundo virtual.

2010-09-28T14:28:00.002+02:00

CARTAS A JULIETA

La historia y, sobre todo, la estructura de Cartas a Julieta podrían recordar a las de un telefilme de tarde. No tiene ningún misterio: una periodista neoyorquina, que atraviesa una crisis sentimental, llega a Italia y ayuda a una anciana inglesa a recuperar al que fuera el amor de su adolescencia. Pero, claro, enseguida nos damos cuenta de que hay algo más detrás de esta película. Y, literalmente, lo que hay detrás es un paisaje maravilloso, un entorno de ensueño: la Toscana italiana. Por lo demás, se trata de la tópica y típica historia sobre búsquedas, encuentros y desencuentros.

Cartas a Julieta la protagonizan personajes perdidos que buscan respuestas, pero éstas sólo pueden hallarlas con la ayuda de las personas a las que aman. La película nos presenta un amor atemporal, que no entiende de edades y atrapa de igual manera a jóvenes y ancianos. Así, el amor maduro de la bella Claire (Vanessa Redgrave) se entremezcla con las aventuras y reveses amorosos de la también bella Sophie (Amanda Seyfried). Sin embargo, considero que ambas historias de amor son excesivamente tibias. De hecho, la castidad y la sangre fría de Sophie pueden llegar a aburrir al espectador que espere encontrar un amor algo más pasional. Parte del mérito de esa frialdad debe imputársele también al personaje interpretado por Gael García Bernal. Aunque, directamente, podríamos atribuírselo al propio actor, ya que, por desgracia, Gael hace muy poco por insuflar energía y dar forma a Víctor, su personaje.

Como he anticipado, algo que sí vale la pena de Cartas a Julieta es su escenario. Esa luminosa Toscana se abre ante el espectador en todo su esplendor y logra resaltar todavía más la belleza de sus protagonistas femeninas. Los viñedos, las preciosas casas sienesas y, sobre todo, esa cálida luz son los ingredientes más atractivos que podemos encontrar. Además, esos son los únicos elementos verdaderamente mediterráneos, ya que ni los protagonistas anglosajones ni los propios italianos -que, casualmente, poseen un sorprendente dominio de la lengua de Shakespeare- refuerzan esa envolvente atmósfera.

2010-09-24T20:23:00.001+02:00

3 años después...

Arcadia resucita. Hola de nuevo, by the way.

2010-09-24T19:53:00.007+02:00

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SIEMPRE A MI LADO

En Siempre a mi lado (Charlie St. Cloud) Zac Efron abandona el alegre estilo televisivo de “High School Musical” con el que saltó a la fama. El actor, que últimamente también hace sus pinitos como productor, se olvida, asimismo, de la laca de Hairspray para meterse de lleno, y con bastante desatino, en este drama romántico.

La pérdida de su ser más querido, su hermano Sam, hace que Charlie (Zac Efron) deje de ser un popular adolescente americano para convertirse en un “rarito” cuidador de cementerios. Ese paso de héroe a freak parece no afectar a Charlie durante años, pero todo cambia cuando se enamora. Sin embargo, no es en este punto cuando el capullo se convierte en mariposa, sino, más bien, cuando el dramón se convierte en tostón.

Siempre a mi lado cojea de todas sus patas. Para empezar, los protagonistas de este relato son unos jóvenes regatistas unidos por su pasión a la vela. Y si ese planteamiento inicial ya nos desanima, todavía quedan los fantasmas. Esos espíritus, esenciales en la historia, aparecen y desaparecen de forma casual, por lo que el espectador se debate entre la creencia de que los fantasmas, efectivamente, van y vienen a su antojo y la creencia de que, simplemente, Charlie St. Cloud está trastornado.

Además, Siempre a mi lado se mete en terreno pantanoso al tratar temas como el destino o la religión. De hecho, tal y como señalan en el film, Charlie está vivo porque el destino le ha deparado una misión. Ese discurso teleológico se entremezcla con alusiones explícitas a la religión católica. No en vano, uno de los elementos que estructura y da forma a la historia es una medalla de San Judas, patrón de las causas perdidas.

Por todo ello, esta película de dolor y amor no logra ni enganchar ni convencer. Resulta lejana, ajena y poco creíble, por lo que las intensas emociones que pretende transmitir no consiguen alcanzar las butacas.

2007-06-25T22:57:00.000+02:00

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Este viernes día 29 parto al país de los renos, los glaciares y el blanco y el rojo. Aunque, a decir verdad, en Toronto no creo que encuentre nada de eso, debe parecerse más a la estadounidense y cercana Detroit que a las heladas Dawson o Whitehorse.
Así pues, permaneceré en la cosmopolita región de Ontario durante todo el mes de Julio. Si a la vuelta vuelvo o no a publicar lo dejaré en manos de la providencia. De momento, sólo me queda agradeceros a los habituales vuestros asiduos comentarios y desearos un feliz verano. Un beso enorme.

Niágaraaaaaaa!!

2007-06-04T16:51:00.000+02:00

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UNA DEL SUR

¡Pequeños saltamontes! ¿Cómo os va? Yo sigo con lo mio, es decir, de exámenes. El primer asalto lo he resuelto con resultados muy superiores a lo que cabía esperar en principio, veremos cómo va el segundo, que, anuncio, me tendrá ausente hasta mitad de mes.

Últimamente en el cine he visto filmes tan mediocres y que dejan a una tan indiferente que no merecen ni siquiera un post (Sunshine, Zodiac, Entre mujeres), así que voy a rescatar una película de Fernando Colomo realizada en 2002 que, aunque tampoco es para echar cohetes, al menos no deja ese odioso sabor a indiferencia.

Hoy voy a hablaros de Al sur de Granada, una película que me ha causado especial impacto por varios motivos. En primer lugar, por lo inusual de su ambientación, ya que los hechos acontecen en los primeros años de la dictadura de Primo de Rivera, y no en tiempos de la Guerra Civil o de la dictadura franquista, tal y como suele gustar a los cineastas españoles. Así pues, somos partícipes, por ejemplo, de la ineficacia de las medidas regeneracionistas que el dictador impulsó con el fin de acabar con el caciquismo, esa lacra que, sin lugar a dudas, todavía no ha sido extinguida hoy por hoy.

El pueblo en el que se centra la acción se halla, pues, dividido en dos bandos claramente diferenciados e irreconciliables. Es en la antigua casa de uno de los dos caciques donde Gerald (Gerardo para los vecinos del pueblo), un escritor venido desde Inglaterra, instala su residencia con la pretensión de encontrar la inspiración artística entre las colinas y arroyos que la circundan. Aunque, más que a inspiración, lo que encuentre se asemejará más a crispación.

Pero si algo me ha causado impacto de verdad es, sin duda, ver a Resines en el papel de cura, un cura que, además, saltándose el guionista a la torera la mentalidad de la época, ansía poder casarse con una recatada Ángela Molina y justifica la validez del matrimonio para los eclesiásticos.

Además, hay otro motivo por el que me ha sorprendido, pues esta película, a pesar de lo predecible de su desenlace, me ha hecho llorar como una madalena. Es uno de esos finales que, aunque sabes que es el correcto, implica también el final del sueño que durante toda la película ha ido fraguándose; es, de alguna manera, el resquebrajamiento de los ideales utópicos románticos y el alzamiento de la realidad, práctica y factible.

El sol andaluz reflejado en cal y el murmullo de los riachuelos que corren sinuosos entre los valles conforman la encantadora estética de la película. Verónica Sánchez, cual despreocupada náyade, colabora también con su presencia a crear un ambiente bucólico extraordinario. Sin embargo, la sociedad andaluza no queda ni mucho menos idealizada, sino que, al contrario, está reflejada de un modo sumamente crítico, presentándonos a la mayoría de sus gentes como seres ruines, sin escrúpulos, ansiosos de poder y, sobre todo, paletos, sumidos en el más profundo de los retrasos culturales.

Al sur de Granada es, por tanto, un cuadro costumbrista con alguna que otra pincelada de alegre subjetividad. Sus matices de luz y color transmiten un torrente de emociones, pero, eso sí, el dibujo queda sin perfilar.

2007-05-14T16:46:00.000+02:00

CON EL AGUA AL CUELLO

Llega mayo, llega junio y con ellos... los exámenes! (chana-chana)

Como todos sabréis, la vida del estudiante es una vida sacrificada. Así pues, me veo obligada a sacrificar temporalmente también Arcadia.

Espero volver a leeros a todos en poco tiempo, esa sería una buena señal...
Un beso y hasta pronto!

2007-05-07T22:08:00.000+02:00

DAGMARA, LA SOMBRA DE SPIELBERG

No busquéis el nombre de Dagmara entre los títulos de las películas de Spielberg, tampoco entre los miembros del reparto de ninguna de ellas. Dagmara forma parte oculta de ambas sin llegar a ser ninguna...

To Dagmara, you have been the most valuable help to me and this film and I am eternally grateful.
Your friend, Steven Spielly.

Precisamente eso es lo que Spielberg escribió a Dagmara como despedida en los márgenes de una fotografía. En ésta, aparecía Spielberg en primer plano, a su lado, la joven y bella Dagmara, y, enfrente, separados por una verja, varios actores embutidos en uniformes típicamente carcelarios.

Dagmara trabajaba temporalmente como traductora en una oficina de Krakow. ¿Quién iba a decirle a esta inexperta estudiante de universidad que acabaría convirtiéndose en la sombra de Steven Spielberg y que pasaría a formar parte tácita de la construcción de una obra maestra!

Todo comenzó en una fiesta. Dagmara había estado traduciendo parte del guión de La lista de Schindler y, por ello, fue invitada a una cena donde acudirían los distintos miembros del equipo de la película. Cuando llegó, el productor corrió hacia ella y le dijo que tenía que hacer una traducción simultánea del discurso de apertura de Spielberg, ya que la chica encargada de ello no había podido acudir. Así pues, inesperadamente, Dagmara tenía que estrenarse como intérprete frente a centenares de personas.

Confundió las fechas de la Segunda Guerra Mundial, pero eso no pareció importarle demasiado a Spielberg, quien, nada más finalizar el discurso, le ofreció ser su intérprete a lo largo del filme que iba a comenzar a rodarse en breve. Su misión consistía en comunicar las instrucciones de Spielberg a los actores polacos de modo que estos interpretaran cada gesto y cada palabra como el director indicaba.

Dagmara es sólo un ejemplo más de cuantos personajes permanecen camuflados entre la letra pequeña de los créditos de las películas, de aquellos que, aunque sin fama ni galardones, forman parte vital del armazón que las compone. Es también, por supuesto, paradigma de esperanza: nunca se sabe qué pueden depararte los hados o quién puede cruzarse en tu camino, que le sonrías y que, como en este caso, te devuelva la sonrisa.

2007-05-02T16:15:00.000+02:00

CÓMO COMPARAR
MULHOLLAND DRIVE & THE STRAIGHT STORY
Y NO MORIR EN EL INTENTO

Posiblemente, Mulholland Drive y The Straight story sean las dos películas con menos puntos de unión de la filmografía del genuino David Lynch. Por una parte, en The Straight story (1999) Lynch hace gala de una sublime sensibilidad. Tras las inquietantes Corazón salvaje o Carretera perdida, Lynch pisa el freno a fondo, cambiando el coche por el cortacésped. El director detiene su analítica mirada en una historia lineal, simple y nada truculenta. Todo lo contrario podría decirse de Mulholland Drive (2001), en la que abandonó estas efímeras inclinaciones bucólicas y sensibleras para adentrarse de nuevo en el mundo de lo onírico, lo enrevesado y lo frenético.

Tanto en The Straight story como en Mulholland Drive se nos narran historias de amor, sin embargo, el tratamiento del mismo es radicalmente diferente. En la primera, el amor sirve al protagonista para dejar atrás no sólo su casa y su entorno habitual, sino también su orgullo. Así pues, el anciano Alvin emprende un viaje a bordo de su cortacésped, tan rocambolesco como puede ser el de El tren de la vida, en busca del amor latente y olvidado de su hermano. Igual de reseñable merece ser el amor que Alvin siente por su hija y ésta por él. La familia se presenta a lo largo de toda la película como un valor de vital importancia, no sólo en el caso de Alvin, sino también en los de aquellas personas con las que éste topa durante su viaje.

En Mulholland Drive, sin embargo, el amor es tratado de un modo más trágico, pasional, y perturbador. Así como en The Straight story éste desemboca en felices desenlaces y reconfortantes situaciones, en Mulholland Drive el amor lleva a la locura y el desequilibrio de quien lo padece, presentándose no ya como algo agradable sino como la fuente de todos los males. También la familia es tratada aquí de un modo distinto, pues no es la solución como en The Straight story sino el problema. Para Diane su familia es un tormento insufrible, una presión, una carga físicamente ausente pero constante frente a la que debe luchar.

Las interpretaciones son en ambos filmes extraordinarias, de un nivel sublime a pesar de la grandísima dificultad de los papeles.

La banda sonora está compuesta en las dos películas por Angelo Badalamenti. En ocasiones intrigante, otras soporífera, otras desafortunadamente molesta, extraña las más de las veces.

Un aspecto a destacar es también el entorno en el que los hechos tienen lugar. Mientras en Mulholland Drive los exteriores brillan por su ausencia, en The Straight story lo que prácticamente no encontramos es interiores. En esta última película se suceden series de hermosas tomas aéreas con formidables paisajes typical America. En Mulholland Drive, por el contrario, el uso de los interiores colabora a acrecentar la sensación de misterio, dramatismo y angustia.

En esta ocasión, si tuviera que decidirme por una de ellas, me decantaría, quizá, sin desmerecer la tortuosidad y sorprendente originalidad de Mulholland Drive, por la contenida emotividad y asombrosa sencillez de The Straight story; genial juego de palabras el del título, por cierto ;)

2007-05-01T23:51:00.000+02:00

EL TREN DE LA VIDA

Radu Mihaileanu, 1998

"Los sueños sólo pueden hacerse realidad si creemos en ellos"

SINOPSIS: Durante la Segunda Guerra Mundial y con el objetivo de escapar de los nazis, un grupo de judíos de un pequeño pueblo de Europa del Este organiza un convoy simulando que se trata de un tren de deportación. Algunos de ellos, a pesar de las reticencias, tendrán que hacerse pasar por soldados nazis, todo ello para evitar que el pueblo sea exterminado.

He seleccionado como mi ópera prima favorita la obra de Mihaileanu. Muchísimas son las razones por las que podría ser seleccionada como tal: por su originalidad, por su emotividad, por su osadez... pero, sobre todo, destacaría la sorprendente calidad y seguridad de la dirección, rasgo éste, por lo general, poco común en una ópera prima. Así pues, elijo El tren de la vida como mi candidata al concurso organizado por las XII Jornadas de Cine "Villa de la Almunia", las cuales finalizarán el 12 de Mayo.

Este tren de la vida lo es también de la muerte, de la alegría, de la tristeza, de la comedia y del drama. La película nos enseña que la línea que separa estos conceptos es mucho más fina de lo que podemos imaginar y que cualquier golpe del destino o paso en falso que demos puede trastocar por completo el curso de los acontecimientos. Eso sí, las sonrisas, unas veces de emoción, otras de incredulidad, están garantizadas.

Los peculiares judíos de un pueblo amenzado por los nazis emprenderán un viaje contra viento y marea abordo de un tren esmeradamente construído por ellos mismos gracias a la audaz y sagaz idea del loco del pueblo, Schlomo, quien, aceptando el papel de pirado por propia voluntad, resultará finalmente ser el más cuerdo de entre todos los presentes, haciendo gala de su humanidad y bondad, pero también de su audacia y picardía. De este simpático personaje, que, al parecer, se trata del miembro originario de la saga Rothschild, nacerán las escenas más divertidas y, a la vez, trascendentes de la película.

Las costumbres y las palabras de estos judíos pueden evocarnos facilmente a las de Amanece que no es poco, pues en ambos casos nos encontramos con una sociedad cuyos actos se salen de común para rozar el estado de locura colectiva. Así mismo, también recuerda a los tiempos de guerra en clave humorística de Kusturica, más aún si atendemos a la música, compuesta, como para Kusturica, por el grandísimo Goran Bregovic. Y, como no, recordemos la controversia creada en torno a La vida es bella, filme al que se le acusó de copiar demasiados aspectos (por no decir plagiar) de la obra de Mihaileanu.

A pesar de que el argumento es aparentemente banal, hay un potente trasfondo de crítica carga política y filosófica, abordando problemas de la metafísica de todos los tiempos tales como la existencia humana, la existencia divina o lo mudable de las apariencias. En cuanto a la política, El tren de la vida supone una parodia de los regímenes fascista y comunista, reflejado este último en la facción insurrecta de "judíos comunistas" que se forma en el convoy, envidiosos de los lujos de los que gozan los judíos que adoptaron el rol de alemanes nazis.

Así, el shtetl emprenderá este variopinto viaje hacia Palestina, en el que se sucederán no pocos episodios hilarantes entrelazados con temas trascendentalistas y que finalizará con un desenlace que, os aseguro, no podéis perderos.

2007-04-25T15:30:00.000+02:00

o
CASABLANCA

UN GUIÓN CUAJADO DE FRASES MAGISTRALES

Escrito por Julius Epstein, Philip Epstein y Howard Koch, el guión de Casablanca se basó en la obra teatral Everybody comes to Rick's, de Murray Burnett y Joan Alison. Esta lista es un pequeño extracto de lo mejor, espero que colaboréis a ampliarla:

Ferrari - ¿Cuánto quieres por Sam?
Rick - Yo no compro ni vendo seres humanos.
Ferrari - Qué pena. Ése es el negocio más limpio de Casablanca.

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Ugarte - Me desprecias, ¿verdad, Rick?
Rick - Si llegara a pensar en ti, quizás sí.

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Ivonne - ¿Dónde estuviste anoche?
Rick - Hace tiempo de eso. Ya no me acuerdo.
Ivonne - ¿Y qué haces esta noche?
Rick - Nunca hago planes por anticipado.

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Renault - ¿Por qué demonios vino a Casablanca?
Rick - Mi salud. Vine a tomar las aguas.
Renault - ¿Qué aguas? ¿Las del desierto?
Rick - Me informaron mal.

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Strasser - ¿Cuál es su nacionalidad?
Rick - Soy borracho.
Renault - Es decir, un ciudadano del mundo.

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Hombre - Ha de saber que yo era el director del segundo banco de Amsterdam...
Carl - ¿Del segundo? No creo que a Rick le interese. El del primero de Amsterdam es ahora nuestro cocinero. Y su padre es el portero.

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Rick - El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos.
Ilsa - ¿Ha sido un cañonazo o es el corazón que me late?
p

2007-04-21T16:00:00.000+02:00

Daedalus et Icarus

La tragedia según Ovidio

Daedalus interea Creten longumque perosus
exsilium tactusque loci natalis amore
clausus erat pelago. “Terras licet” inquit “et undas
obstruat: at caelum certe patet; ibimus illac.
Omnia possideat, non possidet aera Minos.”

[...]

At pater infelix, nec iam pater, “Icare,” dixit,
“Icare,” dixit “ubi es? qua te regione requiram?”
“Icare” dicebat: pennas adspexit in undis
devovitque suas artes corpusque sepulcro
condidit, et tellus a nomine dicta sepulti.

Os dejo aquí el mito de Dédalo e Ícaro según la interesante visión "retro-futurista" de Adam Swaab:

2007-04-17T23:21:00.000+02:00

ESTO ES ESPARTAAAA!!!

Tras el boom que ha creado 300, numerosos individuos se han dedicado a imitar y reflejar el espíritu espartano, en el que prima el valor, el esfuerzo, el honor... ¿o quizá no? Pasen y vean.

Podéis encontrar muchísimos fotomontajes más en esta dirección.

2007-04-14T14:37:00.000+02:00

I'M SINGIN' IN THE RAIN...

Homenaje al mayor musical de la Historia

Ya era hora de que comentara un poco algunas impresiones de la que posiblemente sea mi película preferida, Cantando bajo la lluvia, el musical más brillante de cuantos produjo la Metro en la década de los cincuenta.
Lo único que pretendían los musicales hasta entonces era entretener, sin más. Sin embargo, Cantando bajo la lluvia tiene en su fantástico guión una rica e interesante reflexión acerca de aquello que la crítica bautizó como "cine dentro del cine".

Pero lo más interesante del filme reside en la fina observación de lo que supuso el tránsito del cine mudo al sonoro. Muchas fueron las estrellas que no supieron o no pudieron adaptarse a las nuevas exigencias del sonoro. De entrada, la voz debía estar en consonancia con el supuesto atractivo de la actriz o del actor. Pero no sólo eso: deben ser más actores y menos gesticuladores.

El cine mudo había tenido unas pautas sencillas: los rótulos sobre fondo negro comunicaban los diálogos de los protagonistas; pero la acción, es decir, la actuación de éstos, debía estar siempre algo exagerada para que, con la sola imagen, el público comprendiera lo que estaba sucediendo. En cambio, con la llegada del sonoro, la normal dualidad voz-acción hizo que toda aquella teatral y excesiva gestualidad evolucionara hacia una interpretación equilibrada.

La película cuenta la evolución de la super estrella Don Lockwood, interpretado por mi divinizado Gene Kelly. El azar hace que conozca a una actriz y cantante en sus principios, una actriz que está en la misma situación en la que él se encontraba unos pocos años antes. Don se reconoce en ella, en Kathy, y quiere ayudarla, alejándose de alguna manera de la gran y estridente diva Lina Lamont. Así, Don se reencuentra consigo mismo y con el entorno que le era habitual, recupera su identidad gracias a Kathy y da con el amor verdadero.

Hablar del tratamiento formal de Cantando bajo la lluvia es hablar de los siete u ocho números musicales, espléndidos todos ellos, que nos brindan esa pareja sin igual formada por el bailarín Gene Kelly y el director y coreógrafo Stanley Donen. Éste último fue discípulo aventajado del más grande de los coreógrafos norteamericanos, Busby Berkeley, el verdadero inventor de la comedia musical.
Resulta impagable también la aparición de Cyd Charisse, probablemente con Ginger Rogers la mejor actriz-bailarina de Hollywood.

Cantando bajo la lluvia no es un musical más, es EL musical.

2007-04-03T21:34:00.000+02:00

300

Zack Snyder, 2007

Chocante, deslumbrante, imponente... Esparta

SINOPSIS: Adaptación del cómic de Frank Miller (autor del cómic de "Sin City") sobre la famosa batalla de las Termópilas, ocurrida en el año 480 A.C. durante las Guerras Médicas, en las que Jerjes, emperador de Persia, trataba de conquistar Grecia. Así, el rey Leonidas (Gerard Butler) y 300 espartanos se enfrentaron a un inmensamente superior ejército persa...

Me alegró muchísimo la noticia de que una película sobre la batalla de las Termópilas estaba siendo rodada. Luego, me temí lo peor, sinceramente. Pensé que no sólo se inventarían la historia sino que además sería un tostón inaguantable. En parte tenía razón, pues se ha sido muy poco fiel a los hechos históricos, pero, por otra parte, ha resultado entretenidísima. Además, no hay que olvidar que se trata de la adaptación de un cómic, no de una película que tome como fuente directa los textos contemporáneos a la batalla.

300 es una película formidable en casi todos los sentidos. Visualmente es una obra prodigiosa, no quedando achicada esta consideración ni siquiera teniendo en cuenta el (ab)uso que se ha hecho de la cámara lenta, pues ésta llega a formar parte esencial del conjunto fotográfico en la medida en que permite destacar una imagen concreta que de otra manera nos pasaría inadvertida, mereciendo ésta ser apreciada bien por su belleza, bien por su trascendencia argumental.

La trama tiene un ritmo tal que no da tregua en ningún momento al espectador, obligándole a permanecer en tensión a lo largo de todo el filme, sin dar cabida al aburrimiento, al contrario de lo que, desgraciadamente, a menudo ocurre en películas de esta índole.

300 es un homenaje a los valores espartanos, reflejándolos, al igual que las costumbres (selección exhaustiva de la raza, consideración bastante igualitaria de la mujer, etc.), por suerte, más fielmente de lo que esperaba. Los espartanos siempre me han parecido un pueblo ejemplar. Los tengo en una consideración bastante distinta de la de aquellos que los tildan de salvajes. ¡Pero si incluso Platón alababa los valores espartanos y los comparaba, quejumbroso y apenado, con los de esa Atenas autodestruída por su decadente democracia!

El valor, la entrega y la autoestima de los espartiatas contrasta de lleno con los valores promulgados por Jerjes, rey de los persas. Es totalmente cierto el trato esclavista que los comandantes persas ejercían sobre sus soldados, al contrario del trato igualitario que ejercían los espartanos, por lo que considero insulsas en ese sentido las protestas llegadas desde el Próximo Oriente. Además, ¡qué tendrá que ver un irakí o un iraní con un persa? ¡qué tendrá que ver el monoteísmo fanático con el politeísmo persa? ¡qué tendrá que ver un pueblo próspero, conquistador y floreciente con uno que se sume en la miseria debido mayoritariamente a sus guerras internas? En fin... es como si intentáramos comparar (como se ha pretendido por parte de algunos sectores) a los espartanos con los estadounidenses. A veces, las comparaciones, más que odiosas, resultan del todo ridículas.

Volviendo de nuevo a términos estríctamente cinematográficos, señalar la atmósfera fotográfica, claramente inspirada en la del cómic; a aquellos que lo habéis leído, seguro que no se os ha pasado desapercibida esta apreciación. Los tonos, las luces, el conjunto fotográfico en sí, incluso el ritmo narrativo y las escenas de la ciudad de Esparta intercaladas simultáneamente a la acción principal, todo evoca de alguna manera a la broncínea estética del cómic que dio origen al filme.

En resumen, 300 es de una calidad técnica indiscutible y un producto comercial perfecto, tan entretenida como impactante. Poco más puede pedírsele a una película.

¡Viva Esparta!

2007-03-30T15:36:00.000+02:00

CÓMO COMPARAR
MUERTE ENTRE LAS FLORES & FARGO
Y NO MORIR EN EL INTENTO

Después de repasar a la pequeña de los Coppola, he seleccionado para esta segunda edición de "cómo comparar..." a los hermanos Coen (o Cohen o como queráis escribirlo).

En su obra encontramos distintos géneros que oscilan entre el cine negro o thriller y la comedia. Muerte entre las flores constituye uno de los ejemplos más destacados de cine negro, mientras que Fargo es una de las más claras muestras de mezcla de thriller y comedia, género éste que veremos poco después, por ejemplo, con El gran Lebowski, aunque en ningún caso se deja completamente de lado el aura del cine negro.

En Muerte entre las flores los Coen nos ofrecen una magnífica película de mafiosos, con ingeniosos, cortantes y arrogantemente sarcásticos diálogos y con un acogedor aire a cine negro clásico, pero no falto por ello de episodios hilarantes claramente marcados con el sello Coen. Como en todo filme negro que se precie, una mujer aparece en escena para sembrar la discordia. Así pues, Marcia Gay Harden encarna el rol de Helena de Troya en esta particular Ilíada de los Coen, siendo, al igual que en ésta, el origen de la disputa entre dos eminentes hombres, plantando la semilla de la ira a partir de la cual brotará una intríngulis de idas y venidas de un bando mafioso a otro que no hacen sino evocarnos de nuevo, en este aspecto, al más puro cine negro.

Por otra parte tenemos Fargo, que, como ya se ha dicho, aúna ciertos elementos del thriller con otros de la comedia. A diferencia de Muerte entre las flores, que, acorde a las pautas establecidas por el cine negro clásico, experimenta rítmicamente un evidente crescendo, Fargo despierta en el espectador el interés desde el primer momento, gracias, sobre todo, al, como en la película misma lo definen, "raro" personaje interpretado por un (de nuevo) fabuloso Buscemi. Éste y su peculiar compañero de fechorías deberán llevar a cabo un igualmente peculiar secuestro en peculiares condiciones, con unos también peculiares inconvenientes y con unas más peculiares si caben consecuencias.

A pesar de que las muertes, los disparos, los engaños y, en definitiva, la locura colectiva es una constante en ambos filmes, los ambientes en los que todo ello tiene lugar son totalmente distintos. En Muerte entre las flores el negro es el protagonista: el negro de la atmósfera, el negro de las ropas, el negro de las almas. Por el contrario, en Fargo el ambiente es mucho más reluciente, dejando las noches paso a los días y cambiando las miradas de soslayo por (forzadas) sonrisas.

Considero ambas muy buenas películas, tanto es así que no sabría por cuál decantarme. Por un lado, en Fargo destacaría la actuación de Buscemi y lo entretenido de su argumento. Por otro, los protagonistas de Muerte entre las flores y su trama me recuerdan gratamente a la mejor época que, en mi opinión, ha vivido el Cine, y eso le da muchísimos puntos a su favor.
En fin, yo, indecisa, como siempre, ¿y vosotros, cuál preferís?

2007-03-25T23:35:00.000+02:00

QUIERO SER COMO GRACE KELLY!!

Por supuesto que a mí también me encantaría ser como Grace Kelly, sin embargo, no soy yo quien lo pregona a los cuatro vientos, sino Mika.
Continuando aquella ancestral entrada sobre grupos y canciones frikis que nadie ya recordará, aquí os traigo a Mika y su Grace Kelly, canción que ya estaréis hartitos de oír en todas las emisoras.
Debo reconocer que sigo recelosa frente a Mika y, sobre todo, frente a la niña esa tan siniestra del clip, pero he de decir también que cada vez va gustándome más ese timbre a lo Freddie Mercury y el aire de reinona que el chaval luce en el video:

Y, aunque las comparaciones son odiosas, dejo de paso el Great pretender de Freddie, otro cantante y pianista friki donde los haya:

2007-03-20T17:16:00.000+01:00

PARIS, JE T'AIME

Varios, 2006

Pequeñas condensaciones amorosas

SINOPSIS: En París, el amor está por todas partes: en sus bares y cafés, bajo la Torre Eiffel e incluso en el Metro que corre por debajo de sus calles. En Paris, je t'aime, verá la ciudad de una forma que nunca antes se hubiera imaginado. Es París vista por los ojos de algunos de los directores más aclamados del mundo. Se invitó a cada uno de ellos a contar una historia localizada en uno de los distintos barrios de la ciudad. El resultado es un caleidoscopio de historias sobre la alegría, la separación, encuentros extraños e inesperados y, sobre todo, el amor.

No tengo mucho tiempo, mañana marcho de viaje a Madrid hasta el fin de semana y tengo que preparar unas cosillas antes; seré breve.

Esta película es el producto de unir dieciocho historias ambientadas en cada uno de los distritos de la capital gala. En general, me pareció un filme sumamente agradable y ameno, lejos de forzadas y empalagosas situaciones romanticonas, como a priori cabría suponer.
Los distintos directores han asumido la tarea seriamente, cuidando los detalles y trabajando sus mini-obras a fondo. Los actores, de la talla de Portman, Buscemi o Elijah Wood, han logrado, igualmente, conectar con el público en el tiempo récord que un cortometraje implica.

En primer lugar, destacaría el cortometraje de los Coen, Tulleries, en el que un inocente turista, sentado en un banco del metro, será objeto de burla por parte de una pareja de novios parisina.

Al contrario de lo que esperaba encontrar, también el corto de Gus Van Sant, Le Marais, me pareció de un gusto exquisito. En él un chico francés cree haber encontrado a su alma gemela en un chico extranjero que asiste atónito e hierático al discurso que éste, emocionado, le está dirigiendo.

La obra de Tom Tykwer, con Natalie Portman como protagonista, fue, así mismo, uno de los que más me gustó. Aquí se refleja la idea de ese amor verdadero capaz de superar todas las fronteras que se le interpongan.

Otra clase de amor es el que apreciamos en la Place des fêtes de Oliver Schmitz, curioso nombre para llamar a un corto donde la historia gira no sólo en torno al amor, sino también en torno a la muerte; porque, incluso en esos últimos alientos de vida, el amor sigue presente.

Así mismo, la Tour Eiffel de Sylvain Chomet merece mención especial. Este es, a mi parecer, el más divertido y original de los cortos, en el que se nos cuenta la pintoresca historia de amor entre dos mimos incomprendidos por la sociedad.

El cortometraje de Alfonso Cuarón, que se reduce a la más que predecible conversación de un padre con su hija, me pareció uno de los más flojos y decepcionantes de todos.

Del mismo modo, tampoco salvo de la furia de mi lanzallamas el de Christpher Doyle, Porte de Choisy, del cual no puedo decir nada aparte de que no lo entendí. Es uno de esos cortos incomprensibles en esencia que acostumbran a ser calificados como "alternativos", "simbólicos" o "conceptuales".

Quizá os preguntéis qué tal el de la Coixet... del montón, más o menos al mismo nivel que el resto de los que no he nombrado.

Es, en conclusión, una película amable y recomendable, donde encontraremos momentos de una calidad y riqueza dramática excelentes junto a otros bastante renqueantes en el ámbito narrativo y rítmico.

2007-03-15T22:24:00.000+01:00

TIME

Ki-Duk Kim, 2006

Esos locos bajitos

SINOPSIS: Seh-hee y Ji woo forman una pareja muy enamorada. Llevan juntos dos años, pero, a causa del lento discurrir del tiempo, Seh-hee empieza a sentirse ansiosa y preocupada, temerosa de que Ji-woo pudiera cansarse de ella. Por eso se pone histérica cada vez que ve a Ji-woo prestando la más pequeña atención a otras mujeres. Un día sucede lo que ella se temía: Ji-woo no logra hacer el amor con ella, y sólo lo consigue cuando Seh-hee le propone que se imagine que está con otra mujer. Entonces, Seh-hee se siente ansiosa y frustrada, además de disgustada de que su rostro sea siempre igual y que su aspecto no pueda dar a su compañero una impresión nueva en cada encuentro. Por su parte, Ji-woo considera que la propuesta de Seh-hee de que piense en otra mujer cuando hacen el amor está fuera de lugar.

Como véis, ya estoy de vuelta, y traigo de la mano una propuesta que podría ser calificada como "rarita". Por si alguien siente curiosidad (cosa que dudo), los exámenes, afortunadamente, han salido a pedir de boca. Como era de esperar, durante este tiempo de "máxima concentración" he echado muchísimo de menos a mi fiel amigo el Cine. El reencuentro ha sido realmente emocionante y entrañable.

Bien, dejémonos de pamplinas y vayamos a lo que interesa. Voy a hablaros un poquitín de una película a la que le he puesto la etiqueta de "críticas de cartelera", pero que hará ya algunos meses que fue estrenada en España. La película en cuestión es la coreana Time.

Para quienes, como yo, creéis que últimamente a los orientales se les está yendo la pinza en demasía, esta película no hará sino confirmaros esa hipótesis, cuando no agravarla. Programas como Humor amarillo pasarán a ser escaparates de pequeñas travesurillas comparados con las psicopatías que se nos muestran en Time.

Todo comienza cuando la protagonista del filme se somete a una operación de cirujía estética para reestructurar sus rasgos faciales, ya que espera poder así recuperar la pasión perdida con su pareja. Este no es un caso aislado, multitud de centros estéticos se dedican hoy por hoy a desorientalizar los rasgos, tendencia que me parece de un bochornoso terrible, pues no denota sólo las carencias de autoestima de esta gente y lo superficial de su sociedad, sino que también implica renegar y despreciar unas raíces que, no olidemos, se remontan a más de tres milenios de antigüedad.

Esta película refleja esa crítica a la degenerada actual civilización oriental desde el punto de vista de uno de sus miembros, por lo que, creo, debe ser tenida en cuenta como verídica, no queriendo decir ésto, ni mucho menos, que no se haya tendido a la exageración.

Pero este es en esencia un filme de sentimientos. Unos también exagerados y surrealistas celos se entremezclan con un amor enfermizo para llegar a la clave de la película: la eterna inconformidad del ser humano. Los protagonistas se sumen en una repetición cíclica de alcance de objetivos y posterior decepción, pero que, lejos de la visión de ciclo que expusieran "mis helenos", no es retroalimentativa, sino que, por el contrario, es autodestructiva.

Además de que la habitación de la patológicamente paranoica protagonista es sospechosa y preocupantemente parecida a la mía, señalar también como curiosidad la erótica belleza y especial simbolismo del parque de esculturas al que los personajes habitúan a acudir. Este parque contribuye en gran parte a crear la agradable fotografía del filme.

Las magníficas interpretaciones de los dos actores principales merecen más que esta mención, pero bueno, aquí queda dicho. Después de verlos es inevitable preguntarse si es posible interpretar tan bien la psicología de un loco sin estarlo. Dudo que este dilema, aderezado con las espeluznantes y sangrientas imágenes de las operaciones, me deje conciliar el sueño esta noche.

Y hasta aquí puedo (y quiero) decir de esta interesante película que, sin embargo, se pasa de surrealista en algún que otro aspecto.

Un placer estar de vuelta ;)

2007-03-05T17:22:00.000+01:00

PARÓN FORZOSO

Así es, con esta entrada os comunico que paralizaré la actividad del blog hasta, seguramente, el jueves de la semana que viene. Me veo obligada a ello por los inminentes, y no menos preocupantes, exámenes.
Hasta entonces, un abrazo muuuuy fuerte!!

2007-03-02T15:28:00.000+01:00

¿QUÉ ERA EL "MAC GUFFIN"?

Hitchcock y su público

En su libro-entrevista con François Truffaut, Alfred Hitchcock definía el "Mac Guffin" como la excusa que mueve a los personajes de una película. El "Mac Guffin" debía ser muy importante para ellos, pero no necesariamente para el espectador, a quien lo que de verdad debía importarle eran las peripecias a las que esa excusa obligaba a los personajes.

Gracias a técnicas y teorías como ésta Alfred Hitchcock fue el primer gran manipulador de la Historia del Cine. Su objetivo no era tanto contar una historia como hacer vibrar al espectador. Antes de plantearse una escena tenía claro cuál era la reacción que quería obtener (miedo, tendión, etc.) y la escena en sí era un medio para conseguirlo. Muchos autores, como David Lynch, han seguido después este mismo modo de ver el Cine.

La técnica básica de su famoso suspense era, en primer lugar, conseguir la identificación entre el público y el protagonista, que solía ser casi siempre un hombre normal con una vida normal hasta que, de repente, se veía inmerso en una situación completamente infrecuente a la que arrastraba al espectador. Según decía el director, "el público quiere cosas extraordinarias, lo normal ya lo vive en casa". Y así espectador y personaje, siempre juntos, podían descubrir un asesinato en la casa de enfrente (La ventana indiscreta, 1954) o empezar a sospechar que su marido era un asesino (Sospecha, 1942). Hitchcock conocía como nadie los mecanismos psicológicos del miedo y el interruptor adecuado para activar cada uno de ellos.

La conexión entre Hitchcock y el público fue tal que se convirtió en el director más popular de su época, siendo el primer director estrella. En su caso, la gente no iba a ver una de Cary Grant o de James Stewart, sino una de Alfred Hitchcock.

Otra entrada anterior sobre Hitchcock aquí.

2007-02-26T16:05:00.000+01:00

LOS OSCAR Y MEMECES

No voy a repetir la lista de los ganadores ya que todos los sabéis.
A grandes rasgos, comentar, eso sí, que me alegro muchísimo de que el galardón a la mejor película recayera sobre Infiltrados y el de mejor director sobre Scorsese; siendo, a mi parecer, Cartas desde Iwo Jima y Babel las clamorosas perdedoras de la noche, cosa de la que no me entristezco en absoluto.

Me decepcionó, sin embargo, que ninguno de los cortometrajes españoles se llevara el gato al agua, aunque estoy segura de que, si el nivel cortometrajista continúa como hasta ahora, no se hará esperar demasiadas ediciones más.

También me deja cierto regusto de decepción la no elección de ninguna de las tres canciones nominadas de Dreamgirls como ganadora, así como los dos premios más importantes a los que estaba nominada denegados a El Laberinto del Fauno, a pesar de que reconozco que La vida de los otros me pareció una buena película.

Ah! Y, para terminar, recordar a la señorita presentadora que España está en Europa (es decir, no al lado de Méjico) y que la rompecremalleras de Pe está nacionalizada como tal.

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Y, a continuación, completando esta entrada, un meme que me pasó Dude desde su Gabinete de curiosidades. Consiste en abrir por la página 123 el libro que se esté leyendo actualmente y copiar a partir de la sexta línea de la misma. El problema es que no leo solamente un libro. Actualmente, estoy sumergida en cuatro relatos tan maravillosos como dispares. Bien, ahí va el primero de ellos:

Si algún día llego a adentrarme en el Tíber y en sus ribereñas llanuras; si algún día llego a ver las murallas prometidas a los míos, haremos que nuestras ciudades, unidas desde antiguo por la sangre, y que nuestros pueblos hermanos, en el Epiro y en la Hesperia (pues ambos tienen a Dárdano como padre y han sufrido los mismos quebrantos), que estas dos Troyas, en fin, sean una sola en el corazón. ¡Ojalá cundan estos sentimientos hasta nuestros últimos descendientes!

Este fragmento, en boca del héroe Eneas, pertenece a la traducción realizada por Alfonso Cuatrecasas de la Eneida de Virgilio (foto), genéro éste, el épico clásico, que, como ya sabréis algunos de vosotros, me apasiona.

Aparte de estar releyendo la Eneida, también hago lo propio con la autobiografía del cantante de mi grupo favorito, Anthony Kiedis (foto), de los Red Hot Chili Peppers. Dicho libro, titulado como una de sus canciones, Scar Tissue, no ha sido editado en nuestro país; este ejemplar lo compré el verano pasado en Dublín y, claro, está en inglés:

"We're the Red Hot Chili Peppers, and we're here to see Eric Greenspan" I said.
"Well, I don't know, let me..." she seemed taken aback.
For some unknown reason, we decided to moon her. We turned around, exclaimed: "we're the Red Hot Chili Peppers, goddammit, and we want to see Eric", and we dropped trousers. Just then Eric came running out and took us into his office.

El tercer libro que tengo entre manos (por cierto, fabuloso) pertenece al naturalismo español y no es otro que Los Pazos de Ulloa, de Emilia Pardo Bazán (foto):

"Bendito seas, Dios mío -pensaba para sí-, pues me has permitido cumplir una obra buena, grata a tus ojos. He encontrado en los Pazos, hace un año, el vicio, el escándalo, la grosería y las malas pasiones; y vuelvo trayendo el matrimonio cristiano, las virtudes del hogar consagrado por Tí. Yo, yo he sido el agente de que te has valido para tan santa obra... Dios mío, gracias."

Para finalizar, el último de mis libros, comenzado hace escasos días, se titula La evolución del deseo y su autor es David M. Buss (foto). Se trata de un interesantísimo libro sobre psicología amorosa y, sobre todo, sexual:

Estas circunstancias no son del agrado de algunas personas, ya que parecen injustas. Podemos modificar nuestro atractivo físico sólo de forma limitada y unos nacemos más guapos que otros. La belleza no se halla repartida de forma democrática. Una mujer no puede cambiar su edad, y su valor reproductor disminuye con la edad de forma más acusada que el de un hombre; la evolución es cruel con la mujer, al menos en ese aspecto.

- Dime qué lees y te diré quién eres -

2007-02-24T12:50:00.000+01:00

MONÓLOGOS

He hecho una selección de los mejores monólogos de la Historia del Cine, vale la pena leerlos con detenimiento; por supuesto, hay muchísimos más, ¿cuáles añadiríais a la lista?

Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos.
Elige buena salud, colesterol bajo y seguro dental. Elige hipoteca a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos. Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos.
Elige bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura.
Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable, siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte.
Elige tu futuro. Elige la vida… ¿pero por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida: elegí otra cosa. ¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroina?

Trainspotting, 1996

Hay alguna idea original en mi cabeza, en mi cabeza calva. Tal vez, si fuera más feliz, no se me caería el pelo. La vida son dos días. Necesito vivirlos al máximo. Hoy es el primer día del resto de mi vida. Soy un tópico ambulante.
Tengo que ir al médico a que me vea la pierna. Tengo algo, un bulto. He vuelto a llamar al dentista. Lo voy dejando. Si me dejara las cosas de un día para otro, sería más feliz. Me paso el día sin mover este culo de foca. Si no tuviera el culo tan gordo, sería más feliz. No tendría que llevar siempre las camisas por fuera; como si engañara a alguien. FOCA. Debería empezar a correr otra vez. 8 kilómetros al día, pero hacerlo de verdad. O hacer escalada, pero tengo que dar un giro a mi vida.
¿Qué tengo que hacer? Tengo que enamorarme. Tengo que echarme novia.
Tengo que leer más, cultivarme... Si aprendiera ruso o yo qué sé... O tocar un instrumento. Podría aprender chino, sería "el guionista que sabe chino y toca el oboe". Eso sería brutal. Debería cortarme el pelo al uno. Dejar de hacer creer a todos y a mí mismo que tengo una mata de pelo... ¡Qué ridículo!
Ser auténtico, una persona segura, ¿no es eso lo que atrae a las mujeres? Los hombres no tienen que ser atractivos. Aunque eso no es verdad, sobretodo hoy en día. Hoy se les exige tanto a los hombres como a las mujeres. ¿Por qué debería creer que debo pedir perdón por existir? Quizás sea la química celular. Quizás es eso lo que me pasa, una alteración química. Todos mis problemas y mi ansiedad podrían deberse a un desequilibrio químico o a una serie de psinapsis defectuosas. Tengo que hacérmela mirar. Aunque seguiré siendo feo, eso no tiene cura.

Adaptation, 2002

Ezequiel, 25-17: El camino del hombre recto está por todos lados rodeado por la avaricia de los egoístas y la tiranía de los hombres malos. Bendito sea aquel pastor que, en nombre de la caridad y de la buena voluntad, saque a los débiles del Valle de la Oscuridad. Porque él es el verdadero guardián de su hermano y el descubridor de los niños perdidos. ¡Y os aseguro que vendré a castigar con gran venganza y furiosa cólera a aquéllos que pretendan envenenar y destruir a mis hermanos! ¡Y tú sabrás que mi nombre es Yavé, cuando mi venganza caiga sobre ti!
Llevo años diciendo esta mierda, y cuando alguien lo oía es que iba a morir. No había pensado mucho en lo que significaba, simplemente creía que era un rollo que le soltaba a algún hijo de puta antes de pegarle un tiro, pero esta mañana vi algo que me hizo pensar dos veces. Ahora se me ocurre que tal vez significa que tú eres el hombre malo, y yo el recto, y que el señor 9 mm es el pastor que protege mi recto culo en el valle de la oscuridad. O tal vez tú eres el el hombre recto, y yo el pastor, y que este mundo es injusto y egoísta. Me gustaría eso, pero ese rollo no es la verdad. La verdad es que tú eres el débil y yo la tiranía de los hombres malos. Pero me esfuerzo, Ringo, me esfuerzo con toda intensidad por ser el pastor.

Pulp Fiction, 1994

Lo siento, pero no quiero ser emperador. No es lo mío. No quiero gobernar o conquistar a nadie. Me gustaría ayudar a todo el mundo (si fuera posible): a judios, gentiles, negros, blancos. Todos nosotros queremos ayudarnos mutuamente. Los seres humanos son así. Queremos vivir para la felicidad y no para la miseria ajenas. No queremos odiarnos y despreciarnos mutuamente. En este mundo hay sitio para todos. Y la buena tierra es rica y puede proveer a todos.
El camino de la vida puede ser libre y bello; pero hemos perdido el camino. La avaricia ha envenenado las almas de los hombres, ha levantado en el mundo barricadas de odio, nos ha llevado al paso de la oca a la miseria y a la matanza.
Hemos aumentado la velocidad. Pero nos hemos encerrado nosotros mismos dentro de ella. La maquinaria, que proporciona abundancia, nos ha dejado en la indigencia. Nuestra ciencia nos ha hecho cínicos; nuestra inteligencia, duros y faltos de sentimientos. Pensamos demasiado y sentimos demasiado poco. Más que maquinaria, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, necesitamos amabilidad y cortesía. Sin estas cualidades, la vida será violenta y todo se perderá.
El avión y la radio nos han aproximado más. La verdadera naturaleza de estos adelantos clama por la bondad en el hombre, clama por la fraternidad universal, por la unidad de todos nosotros. Incluso ahora, mi voz está llegando a millones de seres de todo el mundo, a millones de hombres, mujeres y niños desesperados, víctimas de un sistema que tortura a los hombres y encarcela a las personas inocentes. A aquellos que puedan oirme, les digo: "No desesperéis".
La desgracia que nos ha caído encima no es más que el paso de la avaricia, la amargura de los hombres, que temen el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará, y los dictadores morirán, y el poder que arrebatarón al pueblo volverá al pueblo. Y mientras los hombres mueren, la libertad no perecerá jamás.

[...]

El gran dictador, 1940

Hay tres clases de personas, los capullos, las zorras y las mariconas.
Las zorras creen que todos podemos llevarnos bien y a los capullos les gusta joder sin pensárselo. Después, están las mariconas. A las mariconas lo que más les gusta es cagarse en todo. Y las zorras se cabrean con los capullos de vez en cuando porque a ellas les joden los capullos, porque los capullos también joden a las mariconas y si no jodieran a las mariconas, ¿sabes que pasaría? ¡Que los capullos y las zorras nos quedaríamos cubiertos de mierda!
El problema de los capullos es que a veces joden demasiado o joden cuando no viene a cuento y necesitan una zorra para que lo entienda. Pero otras veces las zorras se cubren tanto de mierda que también se convierten en mariconas porque las zorras sólo están a un paso de ser mariconas. Si no jodemos a las mariconas que tenemos que joder, acabaremos todos, capullos y zorras, cubiertos de mierda…

Team America, 2004

Mujeres, ¡hum! que puedo decir. Dios debía ser un jodido genio. El pelo, dicen que el pelo lo es todo. ¿Alguna vez has enterrado la nariz en un monte de rizos y has querido dormirte para siempre? Sus labios cuando han tocado los tuyos es como ese primer trago de vino después de haber cruzado el desierto. Las tetas... ¡buf!, grandes, pequeñas, los pezones mirándote como si fueran reflectores secretos. Y las piernas, no importa si son columnas griegas o vulgares palos de escoba. Lo que hay entre ellas es el pasaporte al cielo. Necesito otra copa.

Esencia de mujer, 1992

¿Por qué tienes que cargar con ese maldito saco de piedras? ¿Por Dios? ¿Porque sí? Por Dios… está bien, te daré información de primera mano acerca de Dios: a Dios le gusta observar, es un bromista, piénsalo… dota al hombre de instintos, os da esta extraordinaria virtud, ¿y qué hace luego?, los utiliza para pasárselo en grande, para reírse de vosotros al ver cómo quebrantáis las reglas. Él dispone las reglas y el tablero, y es un auténtico tramposo: mira pero no toques… toca, pero no pruebes… prueba, pero no saborées jajaja Y mientras os lleva como marionetas de un lado a otro, ¿qué hace Él? ¡SE DESCOJONA! ¡SE PARTE EL CULO DE RISA! ¡Es un payaso! ¡ES UN SÁDICO! ¡ES EL PEOR CASERO DEL MUNDO! ¡¿Y ADORÁIS ESO?! ¡¡NUNCA!!

Pactar con el diablo, 1997

Es muy triste que una madre tenga que declarar contra su propio hijo, pero no podía permitir que creyeran que el crimen lo cometí yo. Ahora lo encerrarán. Debí hacerlo yo misma hace años, siempre fue un malvado. Intentar hacerles creer que yo había matado a aquellas muchachas y a aquel hombre, como si pudiera hacer algo más que estar sentada y observar, igual que sus pájaros disecados. Ellos saben que no puedo ni mover un dedo, ni quiero. Me quedaré aquí sentada, no haré un solo movimiento: sospecharían de mí.
Probablemente me vigilan... ¡que vigilen!, así se darán cuenta de la clase de persona que soy. (Se le posa una mosca en la mano) No voy a matarte, tranquilízate. Seguro que me están vigilando... mejor. Así dirán: "Pero si no fue capaz ni de matar a una mosca".

Psicosis, 1960

Y, por último, les ofrecemos algunas imágenes de penes con la idea de molestar a los censores y de iniciar alguna discusión controvertida ya que parece ser la única forma de que el público, harto de ver videos, mueva el trasero y vaya al cine. Entretenimiento, y un cuerno, quieren obscenidades. Haciéndose daño mutuamente con sierras en reuniones sociales, canguros asesinados por algun candidato presidencial homosexual, vigilantes estrangulando pollos, bandas armadas de críticos exterminando cabras mutantes, ¿eso son películas divertidas?
Bien, ya está, adelante sintonía. Buenas noches.

Monty Python: El sentido de la vida, 1983

2007-02-22T13:45:00.000+01:00

ADAPTATION (EL LADRÓN DE ORQUÍDEAS)

Spike Jonze, 2002

SINOPSIS: Charlie Kaufman, un guionista de Los Ángeles, pasa por unos momentos malos de fustración profesonal y personal, todo lo contrario que su hermano gemelo Donald. Charlie escribe de la manera que vive: con gran dificultad y lleno de inseguridades, mientras que Donald vive del modo que escribe; con simple dejadez. Por su parte Susan escribe sobre la vida, pero es incapaz de vivirla, y la vida de John es un libro esperando a ser adaptado.

"Hoy es el primer día del resto de mi vida" [...] "Seguiré siendo feo, eso no tiene cura": así comienza esta historia de inseguridades, de fracasos, de oportunidades perdidas, de vidas desperdiciadas que ansían despertar de su letargo. El filme se inicia con una explícita, reveladora y poéticamente triste declaración de un amargado guionista cuarentón, la cual nos permite adentrarnos en su melancólica vida.
Cage es ese protagonista, pero no os asustéis, creo que nos encontramos frente al mejor papel de este buen hombre, dentro, por suspuesto, de las limitaciones interpretativas que todos ya conocemos.

La estructura de la película se aleja de toda línea recta, intercalando oportunos flashbacks y jugando con las historias paralelas. Aplicando el término literario, nos encontramos frente a una metaficción, o lo que es lo mismo, la realización de una película dentro de la propia película. Charlie (Cage) es el encargado de elaborar el guión de un filme basándose en la novela de una afamada periodista (Meryl Streep), basado éste, a su vez, en la vida de un fascinante personaje, adorablemente cleptómano y poseedor de una singular sensibilidad hacia todo lo que le rodea, más tratándose de orquídeas.

Por otra parte, apreciamos claramente el contraste de personalidades; por un lado, Charlie y la periodista son seres de espíritu débil, incapaces de atreverse a actuar en la vida, envaucados por el atrayente canto de la indiferente comodidad y temerosos siempre de dar un paso más allá, "queriendo saber lo que se siente al sentir pasión"; por otro, encontramos a John, el astuto ladrón de orquídeas (Chris Cooper) y al hermano gemelo de Charlie, Donald, quienes huyen de vulgaridades, viviendo siempre apasionadamente, fascinados por el mundo que les rodea, seguros de un mañana mejor e irremediablemente ilusionados por toda empresa emprendida.

La pasión actual de John, tras haberlo sido las tortugas, los fósiles, los espejos o los peces de colores, son las flores, en especial las orquídeas. Hablando es pura poesía y sensibilidad, refiriéndose muy acertadamente, por ejemplo, a la polinización como una relación erótica flor-insecto, un acto de amor propiciado por la Naturaleza que permite la continuidad del mundo. Porque, al fin y al cabo, "apasionarse por algo sirve para esculpir el mundo a un tamaño más manejable".

Al final, el filme acaba de un modo bastante caótico, con intentos de asesinato, drogadictos, muertes accidentales... A pesar de esto, estamos ante una película, como ya he dicho, llena de sutil poesía y temáticamente muy bella. Se nos da una útil lección hedonista al animarnos a aprovechar la vida sin pensar en el qué dirán y a fascinarnos con ella, pues "uno es lo que ama, no lo que le aman". Nunca es tarde para empezar de cero y retomar el rumbo de nuestras vidas, ya que cada día es, como en las flores, un renacer... "hoy es el primer día del resto de mi vida...".

2007-02-19T22:37:00.000+01:00

GORAN BREGOVIC

Engalanando el Cine

Aunar todas las culturas balcánicas en una sola, extrayendo los distintos matices griegos, rumanos y búlgaros, católicos, musulmanes y ortodoxos: esa es la meta que siempre ha perseguido Goran. Y no sólo ha logrado este reto, sino que, además, ha sabido sintetizar como pocos su gusto por el rock, el folclore o la música clásica, entre otros estilos.

Su música transmite un torrente incontrolable de emociones en estado puro. En sus tangos, por ejemplo, cada nota penetra como si música y alma entraran efímeramente en contacto.
Pero quizá este filósofo y sociólogo nunca hubiera llegado a ser lo que es de no ser por Kusturica, lanzándole éste al estrellato al encargarle la banda sonora de películas como Underground o El tiempo de los gitanos.

A lo largo de este próximo mes de Marzo, Goran dará conciertos en diferentes lugares de nuestra geografía, si tenéis la oportunidad de verlo, no la dejéis escapar:

6 -> Santa Cruz de Tenerife
8 -> Gerona
9 -> Barcelona
10 -> Mollerusa
11 -> Pamplona

A continuación os dejo un magnífico y rocambolesco mini-fragmento de la genial Underground, que lo disfrutéis:

Y, por si ésto no os es suficiente, aquí tenéis el enlace para ver y, lo que es más importante, escuchar a la Sinfónica de Atenas interpretando la que considero la mejor pieza de Underground, Kalashnikov (eso sí, sin letra pierde).

2007-02-16T18:30:00.001+01:00

p
CÓMO COMPARAR
LAS VÍRGENES SUICIDAS & LOST IN TRANSLATION
Y NO MORIR EN EL INTENTO

Las opiniones acerca de la calidad (o ausencia de ésta) de las películas de Sofia ha dado no poco que hablar en los últimos años; ahora, con el estreno de María Antonieta, se ha vuelto a generar la polémica en torno a ella. Anticipo que no he visto este último filme y no sé cuándo lo haré, ni siquiera sé si eso ocurrirá alguna vez o no; por tanto, decir no cabe que María Antonieta queda excluída de este amago de comparativa.

Las vírgenes suicidas es la película idónea para debutar, con una estética tan pegajosa como agradable, una protagonista sexy y desvergonzada como la interpretada por Kirsten Dunst (la que sería factiblemente equiparable a la encarnada por Scarlett en Lost in translation), una historia algo rocambolesca en la que no falta su dosis de macabrismo y, además, añadiéndole una disimulada crítica a la sociedad y al oh!-cruel-mundo-cruel.

En Lost in translation, Sofia intenta desligarse de las ñoñerías para centrarse en el que va a ser el que consideraré primer y más importante punto de conexión de estas dos películas: el ya nombrado mundo-cruel (oh!), el cual impide a los protagonistas de ambos filmes tomar las riendas de sus vidas, controlarlas y decidir qué hacer con ellas. Los protagonistas se hallan constreñidos por un entorno que, muy a su pesar, no les deja ser libres más allá de su intrascendente mundo interior; recordemos que el suicidio es interpretado por algunos como la exaltación y culmen de la libertad humana, el suicida, y sólo él, es quien decide cómo y cuándo termina su vida.
Aunque en Lost in translation no se llegue a esos extremos suicidas, está claro que los protagonistas, víctimas de sus circunstancias, no pueden satisfacer sus deseos, lo que les hace sentirse desgraciados y conscientes de que no todo en la vida sale como uno desearía (¡Dios mío, pero no os recuerda ésto terriblemente a In the mood for love (Deseando amar)?). El mundo entero les censura en una especie de silencioso complot del que ellos son títeres.

Precisamente ese, el silencio, la incomunicación, la soledad, es otro de los factores comunes a ambos filmes.
Lost in translation consigue que a uno se le quiten por completo las ganas de ir a Japón, pues se nos refleja esta sociedad como impersonal, esquiva, ausente; a nadie le importa lo más mínimo cómo te sientes o cuáles son tus sueños, siendo tratado como un robot más.
Que ocurra esto dentro de una sociedad puede resultar triste, pero que ocurra dentro de una pareja, como también es el caso de Lost in translation, o dentro de una familia, como ocurre en Las vírgenes suicidas, es muchísimo más penoso.
Aparece una bastante desconcertante supongo que metáfora en Las vírgenes suicidas que refleja ese ahogo, ese hastío vital que sienten todos los protagonistas de la pequeña de los Coppola; me estoy refiriendo a la escena de la "fiesta de la asfixia" que se organiza en el vecindario al final del filme, un modo, quizá, un tanto estúpido de transmitir el mensaje.
Además, el filme debut peca también, en mi opinión, de pretender aleccionar de alguna forma al espectador, estableciendo una especie de mandamientos de cómo no se debe educar para evitar que esa soledad aflore.

Estos son los que considero los rasgos fundamentales de ambos filmes, que, ahora sí, afirmo se han sobrevalorado en demasía. Son películas bellas, pero no dejan de estar dentro de la normalidad; en ellas no atisbamos la genialidad de la obra de su progenitor por más que se haya querido hacer creer lo contrario.

2007-02-14T15:29:00.000+01:00

ROMAN COPPOLA & THE STROKES

Dediquemos unos minutos a la obra de Roman Coppola, el gran desconocido de la saga familiar. Sorprendentemente para algunos o, simplemente, curiosamente para otros, Sofia Coppola, la hija del maestro Francis, ha conseguido hacerse un hueco nada desdeñable en el actual panorama cinematográfico. Las razones de dicho éxito pueden atribuírsele bien por méritos propios, bien por otras razones; lo que, desde luego, no puede decirse es que triunfa sólo por proceder de la familia que procede, ¿o acaso ese audaz espermatozoide gracias al que aparecería Roman no proviene del mismo miembro viril que engendraría a Sofiíta?

Recordemos que, allá por 2002, Roman hizo su debut como director con CQ (que tentación he tenido de añadir otra C...); esta obra, sin embargo, no fue reconocida por el público ni antes ni después del estreno, a pesar de que hubo (y sigue habiendo) críticos que aseguraron era mejor que Las vírgenes suicidas (1999), el debut de Sofi Coppola. A esto habría que añadir su intervención como director de la segunda mitad del Drácula de su padre o la filmación de las panorámicas del Lost in Translation de su tata. Entonces, la pregunta es, ¿a qué viene esa indiferencia hacia Roman Coppola en contraste a la acogida que recibió Sofía?

En realidad, esto es sólo una tonta introducción para empezar a hablar de quien yo verdaderamente quería hablar hoy, de The Strokes, un grupo que me trae loca loquita desde que debutara en 2001. Actualmente tiene tres LPs en la calle: "Is this it" (2001), "Room on fire" (2003) y "First impressions of Earth" (2006) y, aunque los tres son infinitamente recomendables, aconsejo de modo prioritario su disco debut.

Bien, la cuestión es que Roman Coppola ha dirigido dos de los videoclips de The Strokes, "Hard to explain" y "12:51", los cuales no podía perder la ocasión de ofreceros.

Entre la filmografía de Roman también encontramos la dirección de videoclips para otros grupos como Fatboy Slim, Daft Punk, God Lives Underwater, Air o Phoenix.

A continuación, los dos videoclips, a mi parecer maravillosos, que el cuasi anónimo Roman Coppola hizo para los geniales Strokes:

Hard to Explain

12:51

2007-02-11T14:00:00.002+01:00

Los "guiños" de Berlanga

Si Hitchcock salía brevemente en todas sus películas, Berlanga siempre colocaba en todos sus filmes la palabra "austrohúngaro". Además, el director afirmaba que rodaba casi siempre con los mismos actores por pura vaguería y que esos planos secuencia tan largos, que le habían dado tanta fama, los hacía para rodar cinco, seis y hasta ocho minutos sin cortar, ya que le daba una pereza enorme.

Sus rodajes, según él mismo explicaba, eran un caos: "Rodar de una forma caótica es una de las cosas más hermosas de la vida."

Ha sido y es enormemente supersticioso. Dice que no soporta los sombreros negros y siempre toca madera por si algún gafe se cruza en su camino. Un día, en un avión, como no encontraba nada de madera se lanzó como un poseso hacia el bastón de un anciano. Desde entonces siempre lleva palillos de madera en los bolsillos para ahuyentar el mal fario.

Berlanga siempre confesaba que sentía un gran temor a las mujeres, un temor que el paso de los años transformó en misoginia: "Soy misógino, con el problema grave de que me apasiona la mujer y su mundo, y creo que mi misoginia nace de la imposibilidad de penetrar, aparte de por los orificios originales, en ese mundo."

De Luís García Berlanga se ha dicho que ha sido el mejor sociólogo que ha tenido España en los últimos cuarenta años. Le han bastado sus ya nombrados planos secuencia para retratar, con un toque de negra ironía, la España de la posguerra, el franquismo, la transición e incluso la llegada de los socialistas al poder y los casos de corrupción de los años ochenta: "Uno necesita hurgar con el dedo y rascar un poquito en la sociedad y, al mismo tiempo, hacer reír."

2007-02-08T17:18:00.000+01:00

AMANECE, QUE NO ES POCO

José Luis Cuerda, 1988

Epatantísimamente surrealista

SINOPSIS: Teodoro es un joven ingeniero español que trabaja como profesor en la Universidad de Oklahoma y regresa a España para disfrutar de un año sabático. Descubre al llegar que Jimmy, su padre, ha matado a su madre. Para compensarle la pérdida y para poder realizar viajes de placer juntos, Jimmy le ha comprado una moto con sidecar a Teodoro. Padre e hijo llegan a un remoto pueblo de la montaña. El pueblo parece vacío pero en realidad es que todos los vecinos, menos el negro, están en misa, como cada día del año. El cura se da tal maña con la liturgia que no hay fiel que quiera perderse el espectáculo. Jimmy y Teodoro van descubriendo las peculiaridades de pueblo y de sus habitantes y tienen ocasión de participar en las elecciones generales que se celebran cada año en las que se eligen, por rigurosa votación, los cargos de alcalde, cura, maestro, puta, marimacho en período de prueba y seis adúlteras. Además de sus extraños habitantes el pueblo está ahora repleto de visitantes: un grupo de estudiantes de la Universidad norteamericana de Eaton, unos belgas, un grupo de disidentes rusos, invasores camuflados del pueblo de arriba...

Sin palabras es como te dejan filmes como este, aprehendido por una inenarrable sombra de aojo, envuelto en una mixtión de descreimiento y atarantamiento...
No, no se me ha ido la olla (no del todo), ese es un ejemplo para que os hagáis una idea aproximada del léxico y expresión del que los personajes de esta película hacen uso. De continuo nos son deleitados oídos y mente con frases tan locuaces y oportunas como impropias. Me explico: la trama nos sitúa en un pueblecito, donde, si algo no son sus habitantes, es típicos; a pesar de su aspecto descuidado y ocupaciones rurales, todos los habitantes del pueblo disponen de un nivel en cuanto a vocabulario y educación en general se refiere, sublime. En contradicción a la típica (y equivocada en muchos casos) visión del pueblerino, rudo y paleto, estos individuos desbordan cultura, no centrando sus conversaciones, por ejemplo, en el día que hace, lo que le ha pasado a la vecina o las jaquecas que les constriñen, sino en su parecer acerca de la obra de Faulkner, las enseñanzas de Cicerón, el sentido de la vida y de la muerte...

Aunque es el lenguaje lo que, de entrada, más nos llama la atención, no son para nada desdeñables, al contrario, sus costumbres. Habitúan a acudir todos los días, puntuales y diligentes, a misa, atraídos y admirados por el ritual religioso que el cura lleva a cabo; para ellos cada movimiento del sacerdote, aunque de levantar la hostia se trate, es un espectáculo que, como todo show, recibe sus correspondientes enfáticos aplausos.
La música forma también parte activa de sus vidas, llegando al extremo de dar las clases a los niños mediante canciones ("¡Causa admiración como trabaja el corazóoooonn! [...] ¡Qué complicación si se te para el corazóooon!" ejemmm...).
Como si de un hecho cotidiano y natural se tratara, las personas acostumbran a brotar entre las lechugas o las zanjas a modo de malas hierbas, con sus consiguientes necesidades vegetalhumanísticas.

"¡Alcalde, todos somos contingentes pero usted es necesario!" Eso es uno de los curiosos lemas de la ciudadanía, que, por otro lado, solicitan que el nuevo ligue del alcalde sea comunal.
A pesar de que todos los habitantes destacan por su capacidad lingüística, hay unos que son considerados "intelectuales", mientras los otros siguen siendo "meros campesinos". Los primeros también tienen hábitos propios para diferenciarse del resto, concretamente "unos días van en bici y otros huelen bien".
Por otra parte, un espléndido Luis Ciges nos argumenta el haber matado a su mujer diciendo que "era muy mala"; por supuesto, no se le aplicó condena legal alguna.
Tenemos también hombres con desdoblamiento literal de cuerpo y espíritu, tiovivos sólo para mayores de veintinueve años, hombres que levitan, turnos de emborrachamientos, negro con tendencias pastoriles, niños que nacen tras diez minutos de embarazo, madres que corren el riesgo de que se les salga el ombligo, soles que se averían... pero, aún así, amanece, que no es poco.

Podría hablar largo y tendido de todas las curiosidades que este filme nos ofrece y del modo, completamente disparatado y desternillante, del que refleja a una sociedad sinceramente entrañable. Raro es que tratándose de cine español logre convencerme como lo hace, pero lo hace. Es una película genial que no puedo sino halagar y, de paso, recomendar.
Un filme, como ellos mismos dicen, Technicolor en todos los sentidos.

Especialmente dedicada al que puede sea el único ser del universo que, como yo, aprecia (más bien diviniza) esta película.

2007-02-03T20:21:00.000+01:00

¿CÓMO ERA EL MUNDO SEGÚN FELLINI?

Fellini en minuto y medio

Si hay un director que pueda ostentar el título de gran director del cine italiano, con mayúscula, ése es Federico Fellini, un realizador que película a película se fue forjando un universo propio, exagerado, en el que mezclaba el cine con su personalidad.

En sus películas volcaba sus sueños, recuerdos y obsesiones, como el sexo o las críticas a la Iglesia y su oscurantismo. Renunciaba a menudo a la narración cinematográfica tradicional porque para él el cine tenía mucho más que ver con la pintura que con la literatura.

En el universo "felliniano" lo exagerado y lo deforme ocupaban un lugar de honor. Muchos de sus personajes eran enanos o mujeres de pechos descomunales, como la estanquera de Amarcord. Tenía una inmensa colección con fotos de rostros peculiares y, cuando iba a empezar una película, las repasaba para encontrar a sus actores. Daba igual que no supieran recitar porque después doblaba la película. Y para que movieran los labios durante el rodaje les hacía contar números.

Parece que fue periodista, cronista de ciclismo y guionista de radio antes que cineasta. Solía contar también que, al llegar a Roma, vivió de pensión en pensión y que se inició en el sexo con sus voraces patronas, siempre deseosas de probar bocados frescos.

Cuando Fellini llamaba a Mastroiani, éste ni siquiera le preguntaba en qué consistía su papel. La actriz favorita del realizador fue su propia mujer, Giulietta Masina, a la que dirigió en cinco películas. Después de que Federico Fellini muriera, el 31 de octubre de 1993, la vida de Giulietta se fue apagando lentamente, falleciendo de cáncer cinco meses después.

2007-02-01T15:31:00.000+01:00

¿CÓMO EMPEZÓ WALT DISNEY?

La fábrica de sueños

Disney había empezado dibujando en un garaje que le prestó su tío y, según algunas versiones de su historia, al lado de su mesa de trabajo merodeaba un ratón. En él se inspiró Disney para crear a Mickey Mouse, el personaje cuyo éxito le permitió crear sus famosos estudios.

Padre de Donald, Pinocho, Dumbo, la Cenicienta... Disney ha sido uno de los artistas que más han influido en la imaginación colectiva de tres generaciones. No fue un gran dibujante ni un gran director, sino un gran creador, un líder que sabía aglutinar como nadie el trabajo de un equipo de artistas cuidadosamente escogidos. También un hombre de negocios que construyó un imperio.

Su personalidad se dibujaba de claroscuros. Públicamente simbolizaba los buenos sentimientos. En privado, en cambio, su imagen cambiaba. Su liderazgo se transformaba, a veces, en tiranía. Nunca felicitaba a nadie porque daba por supuesto que, entre las obligaciones de sus empleados, estaba la de llevar a cabo su trabajo a la perfección.

Anticomunista visceral, colaboró muy activamente en "la caza de brujas". Una vez hubo una huelga en la Disney y Walt comentó: "Estoy seguro de que todo este desbarajuste es de inspiración comunista." En otra ocasión, cuando detuvieron a un animador acusado de homosexualidad, dijo: "Denle una oportunidad, todos cometemos errores." Algunos estudiosos y críticos han tratado a menudo de rastrear esta ideología ultraconservadora en sus películas, que, por otra parte, rezumaban encanto. Tanto era así que, gracias a ellas, y a su simpatía personal, Disney se ganó pronto el cariñoso apelativo de "tío Walt".

Cuando murió, el 15 de diciembre de 1966, el presidente americano Lyndon Johnson (izquierda) envió a su viuda una carta que resumía el sentir general: "Millones de nosotros vivimos una vida más brillante y más feliz a la luz del talento de su esposo. La magia de Walt Disney fue más grande que la vida, y los tesoros que dejó perdurarán para entretener y educar a generaciones venideras."

2007-01-30T16:07:00.000+01:00

TEST CINÉFILO
o

Este es un minitest que he copiado de Marce, que a su vez lo copió de no sé quien (en realidad sí lo sé, pero prefiero hacer el ver que no). Ahí va:

Última película vista ---> Dreamgirls
Primera película vista ---> ver y que me enterara de lo que veía, posiblemente Bambi (menuda llorera...)
Película que más veces has visto ---> Cantando bajo la lluvia (adoro a Gene Kelly)
Película que nunca verás aunque te maten ---> No quiero morir (todavía), vería cualquier cosa
Película preferida ---> El Resplandor, La Naranja Mecánica, La Chaqueta Metálica, Barry Lyndon, Senderos de Gloria... resumiendo: Kubrick
Película más odiada ---> no odio a las películas, sino a los que hacen esas películas
Película que más te sorprendió ---> Para mal, Mi Querida Señorita; para bien, La Naranja Mecánica
Película que más te decepcionó ---> La momia y su regreso
Película que te traiga buenos recuerdos ---> El espíritu de la colmena
Película que te traiga malos recuerdos ---> El lobo
Película que todo el mundo ha visto menos tú ---> Crash (próximamente...)
Película que marcó tu infancia ---> La factoría Disney al completo
Director favorito ---> Kubrick, Stanley
Género favorito ---> Drama
Género más odiado ---> no lo odio, pero siempre se me ha atragantado el western
Actriz favorita ---> cualquier femme fatale clásica
Actriz más odiada ---> Elsa Pataky, Verónica Sánchez y el resto de la manada
Actor favorito ---> Gene Kelly!!
Actor más odiado ---> Kevin Bacon, por el miedo irracional que me infunde su aspecto
Estilo de director que más se acerca a ti ---> a pesar de que a veces me dan rayadas a lo Ingmar Bergman, lo que más me gusta es fijarme en los pequeños detalles y descubrir cosas nuevas: George Méliès encajaría a la perfección en el perfil.

2007-01-27T19:29:00.000+01:00

DREAMGIRLS
Bill Condon (2006)

3, 2, 1... ¡música!

SINOPSIS: Ambientada en los años sesenta y setenta, narra La historia de del ascenso de un trío de mujeres: Effie, Deena y Lorrell, que han formado un grupo prometedor llamado The Dreamettes. El ambicioso agente Curtis Taylor (Jamie Foxx) las descubre durante un concurso musical, y les ofrece la oportunidad de su vida: hacer los coros para el famosísimo James "Thunder" Early (Eddie Murphy). Poco a poco, Curtis empieza a controlar el aspecto físico y la música de las chicas para acabar lanzándolas como The Dreams. Pero los focos no tardan en centrarse en Deena, olvidando e incluso apartando a la menos atractiva Effie. A pesar de que The Dreams se convierten en un auténtico fenómeno de costa a costa, no tardan en darse cuenta de que el precio de la fama y de la fortuna es mucho más elevado de lo que imaginaban...

3 Globos de Oro y 8 nominaciones a los Oscar es el abal que nos ofrece esta película llamada por algunos a ser la artífice del resurgir del musical como género cinematográfico. Lo sea o no, de lo que no dudo es de que nos encontramos frente a un gran espectáculo en todos los sentidos. Aunque no estéis muy convencidos, presumo no os arrepentiréis de darle la oportunidad de demostrároslo.

Las canciones, como en todo musical, las hay mejores y peores, más oportunas y menos apropiadas. Algunas están algo forzadas y podríamos decir que sobran, pero este "defecto" queda holgadamente compensado por lo maravilloso de otras de las canciones. La temática de las mismas oscila entre la rabia, los celos, la impotencia o el miedo y, dejando de lado trascendentalismos, también trata temas vanales como lo fantástico que es su nuevo Cadillac; es decir, abordan muy distintas emociones propias de distintos momentos de sus vidas.

Tres de las canciones están nominadas a los Oscar: "Listen", "Love you I do" y "Patience"; es de esperar que no se le escapará y ojalá sea gracias a la conmovedora "Listen", con la que el personaje encarnado por Beyoncé expresa sus más sinceros sentimientos.

Las interpretaciones superaron con creces mis expectativas. Podemos admirar a un gratamente sorprendente Eddie Murphy: borda el papel. Por otro lado, tenemos a Beyoncé, demostrando que, además de cantar y mover el esqueleto, también sabe actuar: otra agradable sorpresa. Destacar también la actuación de Jennifer Hudson. Parece mentira que esta mujer haya salido del OT estadounidense, American Idol; eso sí es una artista completa (no quiero imaginarme cómo habría quedado de haberlo hecho nuestra Rosa de España...). Foxx, en su papel de malote, con la misma correcta expresión de siempre, pero quizá le falte salirse un poco de lo meramente correcto.

Nada más comenzar la cinta y ver los rápidos planos detalle de los inquietos pies de unas bailarinas, nos damos cuenta de la pulida técnica y bella fotografía que va a sernos ofrecida. Ratificamos esta idea nada más comenzar el primero de los números musicales con el que se inicia el filme. La cámara recorre el escenario y a las artistas en todas direcciones, con tanto mimo como precisión, no permitiendo que nada escape a su atenta mirada.

Juegos de luces de la mano de una exquisita fotografía, cómplice, a su vez, de la ya nombrada incansable cámara, son capaces de crear, unidas, una atmósfera acogedora, idílica en cada momento para la correspondiente canción. Como resultado del cóctel tenemos una magnífica experiencia audiovisual.

Es una película llena de momentos especiales, hermosos, brillantes, melodiosos y emotivos, con los típicos fallos habituales del género, sobre todo en el ámbito narrativo, pero que, sin duda y a pesar de ello, logra encandilar al espectador.

All you have to do is dream!!

2007-01-24T22:40:00.001+01:00

BORAT
Larry Charles (2006)

Risas que saben a poco

SINOPSIS: Sacha Baron Cohen, el peculiar protagonista de Ali G anda suelto, lleva su popular personaje de reportero de Kazakistán llamado Borat a la gran pantalla. El periodista Kazajo debe viajar a Estados Unidos por orden de su gobierno. Allí deberá filmar un documental pedagógico, que recoja lo mejor de la gran potencia para que, de regreso a la "gloriosa nación Kazaja", el país aproveche sus enseñanzas. Pero el trabajo no será tan fácil como parece...

Por fin he visto Borat, la película que hará posible que no se me tache de extremista criticando, pues voy a destacar tanto lo malo como lo bueno, ya que Borat ofrece una de cal (o dos...) y otra de arena (¿o era la arena la mala? es igual...).

Por un lado, me ha encantado la manera de la que se ha representado a la sociedad americana: extremista, fanática, hipócrita, insensible... siendo, precisamente, una prostituta la única americana del filme a quien se le confieren valores humanos. Los personajes yankees con los que se encuentra Borat procuran, en la mayoría de los casos, guardar la compostura ante sus inverosímiles y extravagantes comentarios y/o costumbres, pero siempre acaban despreciando al kazajo resguardados bajo una máscara de falsa cortesía; porque, quizá, en el país de la tolerancia y la libertad no se es tan transigente como se cree.

Borat provoca no pocos episodios graciosos y delirantes que, sin embargo, no terminan de convencer a un espectador que ve como dichas escenas cómicas son forzadamente enlazadas en una historia que parecería estar hecha por partes independientes (a lo "cortar y pegar") si no fuera porque continuamente se hace referencia al hecho que unifica la película, el hecho que, aunque no es más que una excusa para precisamente dar unidad al filme, motiva la consecución de las diferentes escenas: la búsqueda de Pamela Anderson, de la que Borat se enamora mientras realiza el reportaje acerca del modo de vida americano.

Bien, ahí se acaba lo bueno, pues el ámbito de la fotografía, la planificación y demás aspectos técnicos es, sinceramente, patético. Un insistente e hiriente zoom es usado sin mesura escena tras escena, escena tras escena, causándonos no sólo dolor ocular, sino también haciéndonos preguntarnos en qué demonios se ha invertido el dinero destinado a esta película; en alquiler de grúas o instalación de raíles no será, desde luego.

Cuán grande ha sido mi sorpresa al leer esta mañana que se han invertido ocho años (¡ocho!) en elaborar el guión, el cual califican sus autores como "aparentemente improvisado". ¡Eso no hay quien se lo crea! ¡Eso se ha escrito en una tarde o dos a lo sumo! Podrían hablarme de la crítica socio-política, del ámbito interpretativo... pero que no me vengan con que ese guión ha estado gestándose durante ocho años, que si los chistes se hicieran a ese ritmo, el programa de Buenafuente tendría que ser anual. Encima, como ya sabéis, está nominado a los Oscar.

En resumidas cuentas, nos encontramos frente a una desvergonzada y entretenida película que, sin embargo, está hecha con bastante mal gusto escénico y con unos recursos técnicos y narrativos inexistentes.

2007-01-23T21:26:00.000+01:00

o
NOMINACIONES A LOS OSCAR 2007

Sí, lo sé, a estas alturas estáis de las nominaciones y del señor Oscar hasta las narices, pero bueno, si alguien quiere dejar su opinión sobre quién merecería estar y quién no en esta lista, quién ganar el Oscar, o añadir algo, sea bienvenido.

Yo, por mi parte, decir que apoyo a El Laberinto del Fauno incondicionalmente en todas las categorías a las que ha sido nominada y a Infiltrados en aquellas que no comparte con la de Del Toro, así de simple soy, jeje! Actualización: Dios! Cada día me sorprende más mi inteligencia, me acabo de dar cuenta de que no comparten ninguna nominación... ^^'

La lista, sin sorpresas.

Mejor Actriz de Reparto:
Adriana Barraza - Babel
Cate Blanchett - Notes on a Scandal (pendiente título español)
Abigail Breslin - Little Miss Sunshine (Pequeña Miss Sunshine)
Jennifer Hudson - Dreamgirls
Rinko Kikuchi - Babel

Mejor Actor de Reparto:
Alan Arkin - Little Miss Sunshine (Pequeña Miss Sunshine)
Jackie Earl Haley - Little Children (Juegos Secretos)
Djimon Hounsou - Blood Diamond (Diamante de Sangre)
Eddy Murphy - Dreamgirls
Mark Wahlberg - The Departed (Infiltrados)

Mejor Actriz:
Penélope Cruz - Volver
Judi Dench - Notes on a Scandal (pendiente título español)
Helen Mirren - The Queen (La Reina)
Meryl Streep - The Devil wears Prada (El Diablo viste de Prada)
Kate Winslet - Little Children (Juegos Secretos)

Mejor Actor:
Leonardo Di Caprio - Blood Diamond (Diamante de Sangre)
Ryan Gosling - Half Nelson (pendiente título español)
Peter O'Toole - Venus
Will Smith - The Pursuit of Happyness (En Busca de la Felicidad)
Forest Whitaker - The Last King of Scotland (pendiente título español)

Mejor Director:
Alejandro González Iñárritu - Babel
Martin Scorsese - The Departed (Infiltrados)
Clint Eastwood - Letters from Iwo Jima (Cartas desde Iwo Jima)
Stephen Frears - The Queen (La Reina)
Paul Greengrass - United 93

Mejor Guión Original:
Guillermo Arriaga - Babel
Iris Yamashita y Paul Haggis - Letters from Iwo Jima (Cartas desde Iwo Jima)
Michael Arndt - Little Miss Sunshine (Pequeña Miss Sunshine)
Guillermo del Toro - El Laberinto del Fauno
Peter Morgan - The Queen (La Reina)

Mejor Guión Adaptado:
Sacha Baron Cohen, Anthony Hines, Peter Baynham, Dan Mazer - Borat ---> {crítica aquí}
Alfonso Cuarón, Timothy J. Sexton, David Arata, Mark Fergus y Hawk Ostby - Children of men (Hijos de los Hombres)
William Monahan - The Departed (Infiltrados)
Todd Field y Tom Perrotta - Little Children (Juegos Secretos)
Patrick Marber - Notes on a Scandal (pendiente título español)

Mejor Película Extranjera:
After the Wedding (Dinamarca)
Days of Glory (Indigènes) (Argelia)
Las Vidas de Otros (Alemania)
El Laberinto del Fauno (Méjico) ---> {crítica aquí}
Water (Canadá)

Mejor Película Animada:
Cars (John Lasseter)
Happy Feet (George Miller)
Monster House (Gil Kenan)

Mejor Película:
Babel ---> {crítica aquí}
The Departed (Infiltrados) ---> {crítica aquí}
Letters From Iwo Jima (Cartas desde Iwo Jima)
Little Miss Sunshine (Pequeña Miss Sunshine)
The Queen (La Reina)

2007-01-21T22:36:00.000+01:00

APOCALYPTO
Mel Gibson (2006)

"La Odisea" versión maya

SINOPSIS: Historia ambientada en tiempos remotos del imperio maya. Cuando la idílica existencia de unos miembros de la civilización maya es brutalmente interrumpida por el ataque de una fuerza invasora, un hombre emprende un arriesgado viaje a un mundo regido por el miedo y la opresión en el que le espera un incierto final. Debido a un giro del destino y espoleado por el amor a su esposa y su familia, emprenderá el regreso a su hogar en un desesperado esfuerzo por preservar su forma de vida...

Como era de esperar de una obra de Gibson, la emoción es el elemento sustentante de la película, construyéndose, a partir de éste, una espléndida narración.

Vuelve a ponerse de manifiesto el gusto por la sencillez argumental, sin rompecabezas ni giros inesperados, pero no por ello dejando de despertar en el espectador un interés máximo. Son dos horas y cuarto de filme que, sin embargo, dan la impresión de consumirse en un suspiro, tal es la intensidad y poder atrayente del mismo.

Juegos de luces, planos fugaces, ángulos imposibles e impactantes movimientos de grúa se suceden para meternos de lleno en un mundo donde la vida de un individuo depende precisamente de eso, de su velocidad y su pericia.

Como si de Odiseo se tratase, nuestro protagonista emprende (muy a su pesar, eso sí) un viaje de supervivencia y superación, donde la suerte, la audacia y, sobre todo, el deseo de volver con los suyos, serán su mejor baza.

Los actores resultan increiblemente convincentes, pareciendo, además, haber sido sacados directamente de un verdadero poblado maya. Sus miradas, apasionadas, temerarias y desafiantes, se intercambian constantemente, involucrándonos así en ese arriesgado juego del que sólo uno puede resultar ganador.

Como se avanza al inicio de la película, una civilización no puede ser destruida si no se destruye antes ella misma. Esto es precisamente lo que refleja el filme, la autodestrucción de un pueblo, de una cultura, de una forma de vida; cuyos verdugos definitivos se acercan, lenta pero inexorablemente, a través del ponto.

¿Sangre? Sí, mucha. ¿Muertos? Sí, muchos. ¿Salvajismo? Sí, mucho. ¿Cine gore? En absoluto.

En resumen, una excelente película, técnicamente magnífica, narrativamente tan sencilla como perfecta y estéticamente bellísima. De nuevo, y pesar de las críticas recibidas, chapeau, Gibson.

2007-01-19T15:20:00.000+01:00

¿ES VERDAD QUE CASABLANCA SE RODÓ POR CASUALIDAD?
p

Esta es una de esas historias que todo cinéfilo conoce, sin embargo, también es hermoso recordarla de vez en cuando. Así que, sigamos con Bogart.

Hasta cierto punto, Casablanca sí fue el resultado de un cúmulo de casualidades. La Warner la había concebido como una más de las películas de propaganda que se rodaban durante la Segunda Guerra Mundial, pero toda la producción y, sobre todo, el rodaje estuvieron presididos por la improvisación. Lo que en buena lógica debería haber sido una chapuza dio como resultado una película genial.

Porque ¿qué habría pasado si el aún treintañero y futuro presidente Ronald Reagan (derecha) hubiera interpretado el papel de Rick en vez de Bogart, tal y como se pensó en un principio? ¿Y qué si en el montaje final se hubiera eliminado la mítica canción El tiempo pasará tal y como estuvo a punto de ocurrir? Y no sólo eso. Otro elemento legendario de Casablanca, el final, también pudo haber sido diferente.

Durante el rodaje no había un guión terminado y la misma incógnita que viven los espectadores de saber por cuál de los dos hombres se decidirá la chica la experimentaban los actores mientras actuaban en el plató porque nadie, ni siquiera el director, sabía cómo acabaría aquella historia de amor a tres bandas. "Casablanca se creó en el plató" - recordaba el director, Michael Curtiz.

Curtiz (izquierda) explicó así parte de la problemática surgida:
"Yo tenía tres guionistas que escribían mientras nosotros rodábamos, pero los actores nunca sabían cómo enfocar los personajes. Bogart se enfadaba y se quedaba silencioso. Ingrid Bergman me preguntaba siempre de quién estaba enamorada, si de Laszlo o de Rick, y yo le decía: - Bueno, no se sabe todavía, intenta encontrar un intermedio."

Cuando ya no pudieron posponer más la decisión optaron por rodar los dos finales posibles, pero, al terminar el primero de ellos, el productor tuvo la feliz idea de añadirle la escena de Rick y el comisario en el aeropuerto. No hizo falta rodar el segundo, y la Historia del Cine ganó, de paso, uno de sus diálogos más célebres e imitados:

"Louis, creo que este es el principio de una hermosa amistad"

2007-01-17T16:22:00.000+01:00

BOGART Y EL CINE NEGRO

Único, mítico e irrepetible

Cuando Humphrey Bogart fue elegido para encarnar a los detectives Spade y Marlowe, a nadie le extrañó, pues había conseguido para entonces lo que ningún otro actor: gustar al público interpretando personajes teóricamente negativos, como gángsters y criminales.

Este neoyorquino de buena familia había llegado a la cima del mundillo del cine negro en 1941. Sus dos grandes competidores en el género, James Cagney y Edward G. Robinson, habían rechazado el papel de El último refugio (1941) porque, dado que la censura exigía que los gángsters expiaran sus crímenes, el personaje debía morir.

El director del filme, Raoul Walsh (izquierda), dijo lo siguiente sobre el papel de Bogart: "Finalmente cogimos a Bogey porque le daba igual dejarse abatir por los policías. A diferencia de otros actores, se puede matar a Bogey en una película. El público lo admite."

Durante la Primera Guerra Mundial, Humphrey Bogart había luchado en la marina. En una explosión se le había clavado una astilla en el labio superior y la cicatriz que lucía desde entonces le daba un gesto desdeñoso ideal para sus interpretaciones. Creó un personaje duro y descreído, pero que escondía, en el fondo, un buen corazón.

En la vida real, el actor era tan antipático, huraño y bebedor como muchos de sus personajes. Pero, como si ficción y realidad se mezclaran, el público pudo comprobar que en el fondo era un sentimental cuando, con cuarenta y cuatro años, se casó con una jovencita de diecinueve llamada Lauren Bacall (izquierda). La pareja fue una de las más estables de Hollywood y duró hasta que un cáncer de esófago terminó con Bogart. Esta vez al público sí que le importó verlo morir.

"Si me necesitas, silba"

2007-01-15T14:44:00.000+01:00

p
EL TRUCO FINAL (EL PRESTIGIO)
Christopher Nolan (2006)

¡Socavón, socavón!

SINOPSIS: Dos magos (Jackman y Bale) de principios del siglo XX rivalizan de tal manera que les lleva a una encarnizada batalla por la supremacía en su campo, llena de celos y obsesiones, y de peligrosas consecuencias...

Si esperáis encontrar una película rodeada de cautivador halo de magia y misterio, una película que logre sumergirte en un fascinante mundo de fantasía, con verdades sólo aparentes, e indescifrables e intrigantes trucos que involucren al espectador; si esperáis todo eso, ésta NO es la película adecuada.

Decepcionantemente predecible en muchas ocasiones y, por otro lado, incoherente, absurda y disparatada cuando logra sorprender. Nolan no ha conseguido encontrar el equilibrio entre lo sorprendente, que una película de esta temática debería contener, y lo factible, creando, por el contrario, una historia donde ni lo primero ni lo segundo encuentran su lugar.

El guión está, como reza el título, repletito de socavones, con los más disparatados giros argumentales y con una carencia absoluta de gancho. No logra ensimismar ni abstraer en ningún momento al espectador, pues, cuando crees que por fin viene lo bueno, te "sorprenden" con algún gazapazo, no sólo argumental sino también técnico, que ni el rosebud de Ciudadano Kane.

La interpretación, simplemente, transmite indiferencia; no hay ni buenos ni malos, ni listos ni tontos, ni llanto ni risa... ¿cómo pretende Nolan introducir al espectador en la película y que se identifique de algún modo con semejante escala de gris!
Además, algunos papeles, directamente, sobran; véase el caso de la señorita Johansson, quien, además de no trasmitir ni frío ni calor, tiene un rol del que perfectamente podría haberse prescindido.
Si de prescindir hablamos, ¡qué decir acerca de los "misteriosos" (ja) diarios que los dos personajes se dedican a leer durante toda la cinta! Un recurso demasiado fácil y simple para hacer saber las intenciones "ocultas" (ja) de uno y otro.

Pude saber acerca de la historia de Tesla, la cual desconocía, gracias a mi compi de butaca. La manipulación de la Historia es algo que, como ya sabréis los habituales del lugar, no puedo soportar. Los hechos históricos aquí recogidos se han metido con ese sofisticado instrumento llamado calzador.

Por tanto, si empezamos a quitar todo lo que sobra, nos quedamos prácticamente sin película.

El final del filme es de risa... Al parecer, últimamente a los directores les ha dado por no acabar o acabar desastrosa y decepcionantemente sus películas, ésta es paradigma de ello.

¿Qué salvar? Bueno, diré lo que se dice en estos casos: la fotografía me gustó.

2007-01-12T15:41:00.000+01:00

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EROS
Michelangelo Antonioni, Steven Soderbergh, Wong Kar-Wai (2004)

Insulsez y turbación en dos terceras partes

SINOPSIS: Película compuesta por 3 episodios con el nexo común del erotismo, la sensualidad y el amor.

Il filo pericoloso delle cose, de Michelangelo Antonioni.
Toscana actual. En un viaje a la costa, una pareja se enfrenta a la pérdida de magia de su matrimonio. La pasión del marido se despierta por la aparición de una joven misteriosa.

Equilibrium, de Steven Soderbergh.
Nueva York, 1955. Un ejecutivo estresado siente que ha perdido su equilibrio, debido posiblemente a sueños eróticos recurrentes de una mujer que no puede identificar. En una sesión poco común, su poco convencional psiquiatra intenta equilibrar la atención entre su paciente y alguien que ve a través de la ventana...

La mano, de Wong Kar Wai. Hong Kong, 1963. El joven sastre Chang se enamora de la seductora Srta. Hua la primera vez que toma las medidas de su sensual cuerpo. A lo largo de los años, Chang permanece leal a ese amor sin réplica, mientras la Srta. Hua se enfrenta a tiempos difíciles.

¡Si mis helenos levantaran la cabeza y vieran en lo que se ha convertido el concepto de "eros"! Está claro, clarísimo, que ninguno de los tres directores ha comprendido ni la apariencia, ni, mucho menos, la esencia de lo que el eros significa. Se ha hecho una película que gira en torno a los distintos conceptos del amor que tienen los autores, pero ni de lejos se aproxima a la idea de eros de la que nos hablan filósofos como Platón o Aristóteles o poetas como Safo o Alceo. Así que, por favor, elijan bien los títulos de sus películas y no creen falsas ilusiones y mayores decepciones.
Lo siento, pero si no empazaba diciendo esto reventaba.

En cuanto al filme en sí, consta de una estructura tan original como desafortunada. Original, porque engloba tres visiones de un mismo concepto por parte de tres directores bastante dispares entre sí en fondo y formas. Desafortunada, porque dos de ellos han hecho una pifia de un calibre considerable, quitándole, así, tiempo y prestigio a la única que verdaderamente vale la pena.

La cinta de Antonioni (Las amigas, El reportero), llamada Il filo pericoloso delle cose, es de lo más absurdo e insustancial que he visto en mucho tiempo. En ningún momento sabemos qué mueve a los protagonistas a hacer lo (poco) que hacen.
Chico con novia irascible y exhibicionista encuentra a chica, digamos que... promiscua, retozan un rato; después las dos tias coinciden, desnudas, en la playa, y san sacabó la cinta.
Además, aburre soberanamente, usando sin cesar planos larguííííííísimos; ¿acaso no sabe Antonioni que hay una cosa llamada "corte", muy útil para, curiosamente, cortar los planos y que no se hagan eternos?
Absolutamente nada que salvar de este primer fragmento inspirador de vergüenza ajena.

En cuanto a Soderbergh respecta (Sexo, mentiras y cintas de video; Traffic), su Equilibrium tiene bastante menos de bazofia pero no por ello menos de absurdo. La planificación es mucho más elogiable que en la primera, aunque eso tampoco tiene mucho mérito que digamos. Sin embargo, es un mini-film carente de fundamento, con mucho de alucinación y poco de argumento.
Eso sí, las imágenes en las que se cuenta el sueño del protagonista, con continuo movimiento de balanceo de la cámara, son realmente bellas, creando una relajante atmósfera albiceleste.

Por último, la porción correspondiente a Wong Kar-Wai (Happy together, In the mood for love), consigue salvar del desastre más clamoroso a esta película.
Belleza, belleza y más belleza. Con una trama argumental coherente y magistralmente desarrollada, este mini-film logra transmitir los más sinceros sentimientos de amor, desesperación y miedo.
Desde la agria masturbación inicial, donde los protagonistas se conocen, hasta la amarga masturbación final, donde termina el filme, transcurre una serie de trágicos sucesos que activan nuestra fuerza empática hasta el límite de ser capaces de sentir el mismo dolor y tristeza de los protagonistas.
Realmente conmovedora, sutil y, en definitiva, preciosa.

Por todo lo anteriormente expuesto, el filme no puede ser valorado o calificado en su conjunto, pues las diferencias entre los distintos fragmentos son abismales. Es una verdadera lástima que la obra de Wong Kar-Wai deba reducirse a poco más de media hora, pues daba de sobra para crear con ella una sola película, por cierto, maravillosa.

2007-01-11T15:30:00.000+01:00

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Rosebud, ¿qué era rosebud?

La palabra de la discordia

Cuentan que la primera vez que Orson Welles (izquierda) llegó a un plató preguntó al cámara: "¿Cómo funciona este chisme?" Fuera o no cierta la anécdota, la verdad es que no tenía ninguna experiencia cinematográfica.

Sin embargo, tras anunciar la invasión extraterrestre de La guerra de los mundos por la radio, la RKO le ofreció un contrato según el cual filmaría dos películas para la compañía, las que él quisiera. Nunca antes un novato había gozado de tanta libertad. El primero de aquellos dos títulos fue Ciudadano Kane, y, no contento con haber alarmado a todo Estados Unidos con la ya nombrada invasión, siguió creando polémica, y mucha.

Ciudadano Kane estuvo a punto de no estrenarse por culpa de una palabra, rosebud. El personaje principal de la película tenía paralelismos evidentes con el verdadero magnate de la prensa William Randolph Hearst (derecha), que se molestó, sobre todo, por la utilización del término.

En la película, rosebud era la última palabra que Charles Foster Kane había pronunciado en su lecho de muerte. A partir de ahí, y para descubrir su misterioso significado, en la película, un periodista reconstruía la vida del millonario en un largo salto atrás en el tiempo.

[No digo qué significa rosebud en el filme para no desvelar el misterio a aquellos que no lo hayan visto]

En la vida real, en cambio, rosebud tenía para Hearst un significado erótico. Era, según se comentaba en la época, el apelativo cariñoso con el que el magnate se refería a los genitales de su amante, la actriz Marion Davies (izquierda).

Hearst intentó quemar el negativo. No lo logró, pero consiguió que la película se proyectara tan sólo en circuitos de segunda. Y no sólo eso. Para vengarse del director, la noche del estreno metió una menor desnuda en la habitación del hotel de Orson Welles y avisó a unos fotógrafos. Pero a Welles le habían dado el chivatazo y, finalmente, no acudió.

2007-01-09T21:23:00.000+01:00

DELICATESSEN
Jean-Pierre Jeunet (1991)

Deliciosamente caótica

SINOPSIS: En un inmenso descampado se alza un viejo edificio habitado por personas de costumbres más bien extrañas, que sólo tiene una preocupación: alimentarse. El propietario es un peculiar carnicero que tiene su establecimiento en los bajos del bloque. Allí llega un nuevo inquilino que trabaja en el circo y que alterará la vida de la excéntrica comunidad que lo habita.

El adjetivo que mejor define esta película es "original". Por supuesto, la originalidad no lo es todo, pero tampoco es sólo originalidad lo que este filme nos ofrece. Además de eso, encontramos un exquisito trabajo técnico, que cuenta, entre otras cosas, con una fotografía sumamente detallista, característica de su país de procedencia, y unos movimientos de cámara suaves, delicados, rítmicamente perfectos y milimétricamente cuidados.

La historia nos sitúa en un entorno extraño e inquietante, razón ésta por la que resulta, a la vez, fascinantemente atrayente. Un edificio misterioso con vecinos todavía más enigmáticos, que bien podría ser la versión macabra de "Aquí no hay quien viva", encierra en su interior un sangriento secreto. Las personas que lo habitan, víctimas de una grave escasez de alimentos, suplen esa carestía mediante el canibalismo. El carnicero del edificio contrata hombres, supuestamente para realizar las reparaciones oportunas en el edificio, que después asesina, corta a cachitos y reparte, a cambio de maíz (o, en su defecto, favores sexuales), entre los vecinos del bloque. El protagonista de la historia, papel interpretado por el omnipresente Dominique Pinon, es uno de estos desafortunados empleados.

La música es parte importante de la película. Esta música surge de los más dispares objetos, desde sierras a rechinantes muelles. Tal es su importancia, que Jeunet elige una fantástica escena musical para concluir la cinta.

Me llamó la atención, sobre todo, la cantidad de referencias sexuales que podemos encontrar en los momentos y lugares más inesperados. Algunas de ellas están realmente bien camufladas (y las que se me habrán pasado...), por lo que hay que mantener los ojos y la mente bien abiertos.

Diálogos no muy abundantes pero inteligentemente seleccionados, con dosis de humor e ingenio. Pero, si de lo que se trata es de humor e ingenio, no podemos dejar de fijarnos en los personajes. Todos ellos se encuentran impecablemente caracterizados, bien en forma de baboso payaso, de mujer fatal, de inocente mosquitamuerta, de "sapófilo" empedernido o de frustrada suicida. Mención especial merece este último personaje. La mujer con aspiraciones suicidas procurará, a través de los más variopintos y extravagantes métodos, acabar con su vida. Sin embargo, los hados no están de su lado, salvándole de la muerte una y otra vez, y ofreciéndonos no pocos episodios cómicos.

La película acaba con una apoteósica locura colectiva que, como si de una novela de Poe se tratase, contamina al propio edificio (¿o sería más bien el edificio quién contamina a sus habitantes?). Derrumbe de paredes, muertes, agua y risa se entremezclan en este caos final que desaparece con la misma velocidad y precipitación que apareció.

En resumidas cuentas, un cuento fantástico, loco, divertido, original y de una calidad sobresaliente made in France.

2007-01-07T15:20:00.000+01:00

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TIM BURTON Y LOS KILLERS

Hace ya un tiempo, comenté, en una bastante apresurada entrada, mis primeras impresiones sobre el nuevo disco de The Killers, "Sam's Town". Pues bien, los Killers vuelven a ser noticia debido al lanzamiento de su nuevo videoclip, "Bones", el cual está dirigido nada más y nada menos que por el genuino Tim Burton.

La estética "burtoniana" vuelve a ponerse de manifiesto con esta pequeña obra. A decir verdad, el título de la canción, "Bones" (huesos), pone bastante fácil el desarrollo de dicha estética que, como hemos comprobado en sus anteriores trabajos, se caracteriza, entre otras cosas, por el gusto por los muertos, esqueletos, zombis y demás parentela.

Y, sin más dilación, aquí tenéis a The Killers y su "Bones", dirigido por Tim Burton:

2007-01-06T12:49:00.000+01:00

HITCHCOCK Y EL AMARILLO

¡Marchando una de Salsa Rosa!

Especialista en asesinatos, su muerte favorita era, según decía, el estrangulamiento, técnica criminal que incluyó en diecisiete de sus películas y, por si alguien albergara dudas, en sus fotos familiares siempre salía con las manos en el pescuezo de alguien.

En la leyenda, ocupa también un lugar destacado su obsesión por las actrices rubias.
Obeso, casado desde muy joven con su montadora, Alma, y supuestamente acomplejado por su falta de atractivo, Hitchcock tenía fama de misógino y estaba obsesionado por una clase de mujer que encarnaron en sus películas actrices como Kim Novak (izquierda), Tippi Hedren o Grace Kelly (derecha).

"Me gusta el tipo de rubia fría. Frialdad aparente, porque en el momento en que se ponen en acción todas las barreras se rompen. Es el tipo de mujer inglesa. Todas parecen profesoras, pero dentro de un taxi te pueden destrozar."

Hitchcock era morboso y fetichista y la transposición más fiel en pantalla de estas obsesiones fue el James Stewart de Vértigo (1958), obsesionado con crear, vestir y teñir una mujer a la imagen de la de sus sueños.

Fuera de la pantalla, esas obsesiones se vertieron sobre todo en Tippi Hedren, la protagonista de Los pájaros (1963) y Marnie la ladrona (1964). La actriz lo rechazó y desde entonces, en el rodaje, sólo se dirigía a ella a través del ayudante de dirección.

2007-01-04T14:12:00.000+01:00

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SALVADOR PUIG ANTICH
Manuel Huerga (2006)

Cuando las películas llegan al cine de mi pueblo (III)

SINOPSIS: El 2 de marzo de 1974, el joven anarquista, militante del Movimiento Ibérico de Liberación, Salvador Puig Antich, se convirtió en el último preso político ejecutado en España mediante "garrote vil". Ésta es su historia y la de los intentos desesperados de su familia, compañeros y abogados por evitar su ejecución.

Allá por mediados de septiembre vieron los españoles está película, nosotros, pobres y mundanos pueblerinos olvidados en un pequeño reducto de las tierras aragonesas, la pudimos ver este fin de semana. Afortunadamente, y debo sentirme agradecida, la he podido ver antes de la gala de los premios Goya. Salvador Puig Antich tiene 11 nominaciones, entre ellas la de mejor película; veremos qué tal le va.

Antes de comenzar la crítica, me gustaría hacer una petición a alguien que la haya visto y que no sea catalán: ¿podríais aclararme si la parte que hablan en catalán (que es casi la mitad de la película) os la subtitularon en el cine? Yo la ví tal cual, sin subtitular, y entonces pensé las dificultades que podrían tener en el resto del país para comprenderla si no se la subtitulaban (aquí todos entendemos el catalán porque estamos en la frontera). Gracias de antemano.

El filme comienza en la Barcelona de 1973, explicándonos los hechos que llevaron a Salvador a incorporarse al MIL, así como los que le llevarían a prisión. No creo sea necesario explicar ni quién es ni qué hizo, todos hemos vivido o, como es mi caso, conocemos a través de los libros de Historia, lo que este episodio supondría para la Historia de España. No obstante, en la película, nos marcan este hecho como radicalmente decisivo en la evolución del pensamiento de la ciudadanía. Siempre basándome en aquello que he leído, no creo que fuera este suceso puntual el que marcara el antes y el después, sino que, más bien, sirvió de importante incentivo para el proceso de transformación que ya estaba teniendo lugar desde tiempo atrás. Por ello, quizá el filme peque de engrandecerlo.

No quiero entrar al trapo político, pero hay alguna cosa que creo es indiscutible. El movimiento anarquista tiene como una de sus bases ideológicas la acción-reacción y siempre estando presente el uso de la violencia (quema de iglesias, asesinato de sacerdotes, etc.); sin embargo, en esta película, siempre que los anarquistas matan lo hacen por error y con posterior arrepentimiento, mientras que, por el otro bando, son asesinatos a sangre fría y con recochineo. Creo que aquí se falta en parte a la verdad.

Se nos van narrando los hechos de una forma clara y concisa, sin irse por las ramas ni liar o aburrir al personal. Ello se hace a través de una pulida y trabajada planificación, en la que abundan los planos detalle y primeros planos que acrecientan el dramatismo cuando deben hacerlo.

La historia es una clara línea ascendente, desarrollándose en todos los aspectos in crescendo. Mientras que al principio te debates entre dormir o seguir viéndola, poco a poco, te va transmitiendo la tensión necesaria para engancharte a la trama. La estructura, sin embargo, me pareció demasiado vista. Los hechos se van contando de boca de Salvador desde la cárcel, mientras habla con su abogado, y, luego, se retoma la historia a partir de ese momento, continuando hasta que se produce su ejecución. Es, en definitiva, la típica estructura de las pelis de criminales.

Como si de esperpento se tratara, el director caracteriza a la mayoría de los personajes como fantoches, adquierendo sólo algunos pocos la condición de humanos; Salvador es el principal de estos humanos. Sin embargo, en ocasiones da la impresión de que es, como lo califican en una ocasión, el "hijo de papá que juega a revolucionario", faltándole garra, idealismo y verdadera lucha por aquello que cree, prefiriendo, por el contrario, asaltar bancos por diversión o quedarse pensando en las musarañas para luego hacer aquello que le dicen de forma mecánica.

Las interpretaciones de los actores son excelentes, de un nivel sobresaliente, destacando la actuación de Daniel Brühl.

Sin embargo, lo más fantástico de esta película es, en mi opinión, el guión, lleno de frases que emocionan a la vez que impresionan: "Esa bomba también me ha matado a mí" - dice Salvador en forma de premonición cuando estalla la bomba que acaba con Carrero Blanco. La película está repleta de inteligentes diálogos que revelan los sentimientos más profundos de los protagonistas.

Esta es la historia, bastante bien contada en todos los ámbitos pero sin llegar a encandilar, de "una partida de cartas con las cartas marcadas, pero que hay que jugar hasta el final", donde, por tanto, la desesperación, la angustia y el miedo tienen una posición privilegiada.

"Bye bye darling, goodbye!"

P.D.: Si alguna vez os piden un resumen de la Ilíada, ¡por favor, no hagáis como Salvador diciendo que "es la historia de Aquiles"!

2007-01-02T21:25:00.000+01:00

BABEL
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La torre que comenzó a construirse por el tejado

SINOPSIS: La historia comienza cuando, armados con un Winchester, dos jóvenes marroquíes salen en busca del rebaño de cabras de la familia. En medio del silencio del desierto, deciden probar el rifle... pero el alcance de la bala es mucho mayor de lo que esperaban. En un instante, las vidas de cuatro grupos de extraños en tres continentes colisiona.

¿En qué se basaban todas aquellas personas que anunciaban Babel como la mejor película del año? ¿Qué le ven que la hace tan maravillosa?
Preguntas como estas son las que me formulo tras acudir a verla y experimentar notoria sensación de desilusión.

La nueva película de Alejandro González Iñárritu ha supuesto, sin duda, uno de los retos cinematográficos más ambiciosos y difíciles del año (sin, por supuesto, desdeñar la dificultad de llevar el aroma al Cine por parte de Tykwer). Sin embargo, ha faltado materializar las ideas y pulir muchos matices del filme que, de haberlo hecho, sí lo habrían convertido en una gran película.

González Iñárritu (a partir de ahora y por pura vaguería, GI) no se ha conformado con trabajar la película a partir de historias conectadas mediante un nexo común de unión, sino que, además, ha pretendido que esas historias se desarrollasen en los lugares más dispares y distantes entre sí tanto geográfica como histórica, económica o culturalmente, siendo éste un importante añadido en el grado de dificultad de la realización y, sobre todo, de la compactación final del producto.

Dicho reto no ha sido, en mi opinión, superado, existiendo, por el contrario, forzadas situaciones de conexión que, quizá, con un poco más de habilidad técnico-creativa por parte de GI podrían haber sido solventadas. Por tanto, decir no cabe que no comparto la decisión de Cannes en la que han atribuído el galardón a la mejor dirección a GI.

Por otra parte, el reparto en general está a un nivel más que aceptable, dando Blanchett, sin embargo, la impresión de quedar en ocasiones rezagada, como si la cosa no fuese con ella. Es increíble, por otra parte, la discreta presencia de Brad Pitt; acostumbrado como está a ser la estrella de sus películas, queda aquí el protagonismo de su actuación nivelado (y, en ocasiones, superado) por el de otros actores de muchísimo menos renombre.

No discuto en ningún momento la originalidad de la empresa ni la dificultad de la misma, pero es considerablemente mejorable en numerosos aspectos como pueden ser la simplicidad (aparente o no) de los movimientos de cámara o la, también, vulgaridad (identificando como vulgar lo no extraordinario, es decir, sin las connotaciones negativas que esta palabra pueda contener) de su planificación y fotografía, sin aprovechar GI como habría podido el espectacular entorno en el que se enmarcan las historias.

La incomunicación, la soledad, el miedo y la tristeza son algunos de los no demasiado optimistas temas en torno a los que gira la película. Los personajes se hallan rodeados, en mayor o menor grado, por un aura de melancolía, también más o menos justificada, del que sólo podrían lograr salir a través del cariño; cariño éste que buscan donde no deberían, hallándose la solución, por el contrario, en su entorno inmediatamente más cercano.

La sociedad, superficial e impersonal hasta la saciedad (caso de los polis yankees y marroquíes o de las pseudohormiguitasmecanizadas niponas) no proporciona a los protagonistas el calor que anhelan, siendo, por el contrario, la causa de su destrucción.

Un filme, en definitiva, que, aunque teniendo mucho que ofrecer (sobre todo en su trasfondo) no ha sido tratado, en mi opinión, del modo que debería haberlo sido. Se ha perdido, por tanto, la oportunidad de crear una muy buena película, creando, tan sólo, un producto algo experimental e interesante.

2006-12-30T15:42:00.000+01:00

¿POR QUÉ BUSTER KEATON NO SE REÍA NUNCA?

Y DEMÁS HAZAÑAS

Varias cartas de admiradores habían llegado al despacho de Fatty Arbuckle (izquierda, junto a Keaton) con esa misma pregunta: "¿Por qué no se ríe nunca ese hombrecillo que aparece en sus películas?" Fatty, que hasta entonces no se había dado cuenta, visionó las tres cintas que habían hecho juntos y comprobó que era verdad.
En la siguiente le ordenó que sonriera en la secuencia final, pero el público abucheó la escena. En ese momento Fatty y el propio Keaton decidieron que ya no se reiría jamás y lo impusieron por contrato. Se habían dado cuenta de que cuanto más serio permanecía el actor, más se reía la gente.

Joseph Frank Keaton era hijo de una pareja de actores de vodevil. Con tres años el niño se le cayó a su madre por las escaleras y el mago Houdini (derecha), que era el jefe de la compañía en la que trabajaban, exclamó al ver la caída: "What a buster!" ("¡Vaya porrazo!"), y con ese nombre, "Buster", quedó rebautizado.
El número de los Keaton consistía básicamente en hacer caer al niño, estrujarle, zarandearle e incluso lanzarle contra el público sin que el pequeño moviera un solo músculo de la cara. Así que, con su experiencia como "bayeta humana" (ése era el nombre por el que se le conocía en el mundo de la farándula), Buster no tuvo muchos problemas para cumplir luego, de mayor, el contrato que le obligaba a permanecer serio.

Keaton creó un estilo cómico único basado en el estoicismo. Su inexpresividad chocaba con la disparatada actividad en la que se veían envueltos sus personajes: viajando por los peligrosos rápidos de La ley de la hospitalidad (1923), acosado por cientos de mujeres en Siete ocasiones (1925), penetrando literalmente en el interior de una pantalla en El moderno Sherlock Holmes (1924) o conduciendo una locomotora a través de las líneas enemigas en El maquinista de la General (1926).

Sus personajes se movían entre el heroísmo y la resignación. Siempre sin una sonrisa. Además, contaba con una increíble capacidad física. Él mismo realizaba en la pantalla los ejercicios más peligrosos sin utilizar nunca dobles. Todo ello hizo de él una de las estrellas más populares, ricas y de mayor éxito de los años veinte.

2006-12-28T13:30:00.000+01:00

NINE SONGS
Michael Winterbottom (2004)

Sexualmente explícita

SINOPSIS: Un verano, dos personas, ocho grupos, nueve canciones... Lisa es una estudiante estadounidense que está pasando un año en Londres. Matt la conoce en un concierto de Black Rebel Motorcycle en Brixton Academy y se enamora de ella. La película sigue el curso de la relación, jalonado por las canciones de cada uno de estos grupos a cuyos conciertos van: Black Rebel Motorcycle Club, The Von Bondies, Elbow, Primal Scream, The Dandy Warhols, Super Furry Animals, Franz Ferdinand, Michael Nyman... Entre la música y los grupos vemos a Matt y a Lisa haciendo el amor y cómo a través de esos encuentros sexuales se va desarrollando su relación, que dura hasta las navidades, cuando Lisa regresa a Estados Unidos.

Desde el Reino Unido nos llega esta película de la mano de Michael Winterbottom, autor de la entretenida "24 hour party people", la más que aceptable "Wonderland" o, más recientemente, del polémico film-denuncia "Camino a Guantanamo". Sin embargo, "Nine songs" es una metedura de pata descomunal e inexplicable. Es una de las películas que Papá Noel me trajo el pasado día 24 y, sinceramente, se lo podría haber ahorrado.

Por razones que todavía no comprendo, fue ganadora del Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Donostia-San Sebastián. Bien es cierto que juega continuamente con la luz y la sombra, con los colores, con la ambientación de las escenas en general; pero también es cierto que hay insulsos e inoportunos planos desenfocados y que abusa de la repetición de los recursos fotográficos que estéticamente funcionan.

Argumentalmente es un vacío de principio a fin. Simplemente, se limita a ofrecernos, más elegantemente que una porno, eso sí, una sucesión de encuentros sexuales que mantienen los dos jóvenes protagonistas. Esta película vendría a ser una "porno deluxe". Dichas escenas sexuales se intercalan con actuaciones musicales más o menos acertadas; la letra de las canciones que se van oyendo sirve, de alguna manera, de resumen de su propia relación. A su vez, son intercaladas imágenes de la Antártida, que es desde donde el chico cuenta la historia; contrastando estas heladoras imágenes con el calor pasional de las escenas de sexo.

Tras pasar un tiempo juntos, la chica marcha a su país, los EEUU, y el chico, por razones que, en principio, desconocemos, se va a la Antártida (quizá a que se le baje el calentón...). Poco más se puede decir de este desafortunado filme. Como reza el cartel: "69 minutos de sexo y rock n'roll"; para quien guste.

2006-12-27T15:13:00.000+01:00

EL LABERINTO DEL FAUNO
Guillermo del Toro (2006)

Cuando las películas llegan al cine de mi pueblo (II)

SINOPSIS: Tras la victoria de Franco, una niña, Ofelia (Ivana Baquero), acompañando a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se trasladan hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado el nuevo marido de ésta, Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona.

Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto y allí se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, ultima de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas que poco a poco irá superando.

"El labrinto del fauno" es una de esas películas que, narradas como si de un cuento se tratase, te sumergen en dos universos paralelos. Por un lado, se encuentra la vida real, cruda, desoladora, devastadora y cruel, muy cruel. Por el otro, nos presentan el mundo de los sueños, de la maravilla, el mundo de la fantasía en el que todo es posible y, en definitiva, la vía de escape de ese otro mundo tan tenebroso como real.

La historia nos sitúa, en el tiempo, en 1944 y, en el espacio, en un molino en mitad de la nada, que perfectamente podría tratarse del descrito por Emilia Pardo Bazán en "Los Pazos de Ulloa". El ambiente que rodea a la historia ya entremezcla de por sí realidad y ficción, pues la casa-molino se halla rodeada de hermosos bosques de altos árboles que, gracias a una suave brisa, esparcen motitas de polen por doquier. Sin embargo, en ese idílico ambiente, se suceden los tiroteos entre fascistas y republicanos y la sangre y el odio invaden el aura, transformándolo, así, de repente, en un lugar desagradable.

Continuamente hay referencias a ese dilema entre lo real y lo fantástico. El azul, en representación de lo frío, y el amarillo, en representación de la calidez, se van alternando en las distintas secuencias. Las transiciones entre escenas son el detalle técnico que, en mi opinión, más llama la atención; sin embargo, esta no es una película que comentar en términos técnicos, no porque no tenga mérito técnicamente, sino porque el ámbito artístico-novelesco los eclipsa.

"El laberinto del fauno" es la historia de un cuento, un cuento que le sirve a Ofelia para desligarse de ese mundo cruel que prefiere no conocer. La niña mantiene continuas conversaciones con su madre y una de las sirvientas, en las que ellas le intentan bajar de las nubes: "La vida no es como crees, éste es un mundo cruel...", le dirá su madre.
¿Pero dónde está el límite entre lo real y lo ficticio? ¿Y qué es verdaderamente lo real? ¿Acaso nuestros sueños no pueden ser más reales que la propia realidad? Al final de la película, todavía no sabemos con certeza quien ha ganado la pugna, si lo real o lo ficticio; no en vano, aunque nos de la impresión de que, en ocasiones, se entremezclan, no dejan de ser mundos paralelos que, como las paralelas, se prolongan manteniendo las distancias ad infinitum.

Me parecieron tan maravillosas las frases de inicio y conclusión que no pude evitar anotarlas:

"Al principio de los tiempos vivían en armonía los bosques, los hombres y las criaturas mágicas..."
"La princesa dejó pequeñas huellas visibles sólo para aquel que sepa dónde mirar..."

Esta es una película, en definitiva, que te hará soñar, sufrir, emocionar... Es una película que demuestra, además, cómo una niña fantasiosa puede ser mucho más coherente y valiente que cualquier "héroe de guerra".

2006-12-25T21:15:00.000+01:00

10 AÑOS DE PUBLICIDAD CINEMATOGRÁFICA

Algunos somos los afortunados que contamos con un manojo extra de canales televisivos dedicados al Cine; algunos somos aquellos a los que nos llega mensualmente la revista de la programación del Digital+; algunos, los que nos fijamos en la publicidad de la misma.
Pues bien, he seleccionado una muestra de los más divertidos anuncios publicitarios relacionados con el séptimo arte contenidos en dicha revista mensual. Los carteles publicitarios abarcan desde el año 1996 hasta el 2006 y la mayoría de ellos son enfermizamente ingeniosos, sobre todo, y en mi opinión, los de Calle 13.

(Click en la imagen para ampliar)

2006-12-23T14:00:00.000+01:00

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FELICES NAVIDADES UNIVERSALES
o
Y Cine... mucho Cine!!

Simplemente desear a todos los seres del universo, os haya tocado la lotería o no, que tengáis un agradablemente memorable 2007 (eso en el caso de que uséis el calendario gregoriano) y unas felices fiestas!!

Pax hominibus bonae voluntatis!

Feliz Navidad y feliz año nuevo!
Nabidà! Goyosa añada benién!
Bon Nadal i feliç any nou!
Bon Nadal e bo ani novo!
Glædelig Jul og godt nytår!
Vrolijk Kerstfeest en een Gelukkig Nieuwjaar!
Colo sana wintom tiebeen!
Merry Christmas & happy new year!
Gajan Kristnaskon & Bonan Novjaron!
Hauskaa Joulua & 0nnellista uutta vuotta!
Joyeux Noël et bonne année!
Fröhliche Weihnachten und ein glückliches Neues Jahr!
Kala Christougenna ki'eftihismenos o kenourios chronos!
Mele Kalikimaka & Hauoli Makahiki Hou!
Nollaig Shona Dhuit! Idah Saidan Wa Sanah Jadidah!
Buon Natale e felice anno nuovo!
Shinnen omedeto. Kurisumasu Omedeto!
Sung Tan Chuk Ha!
Wesolych Swiat i Szczesliwego Nowego Roku!
Boas Festas e um feliz Ano Novo!
Pozdrevlyayu s prazdnikom Rozhdestva i s Novim Godom!
Noeliniz Ve Yeni Yiliniz Kutlu Olsun!

Y CINE... MUCHO CINE

2006-12-21T21:19:00.000+01:00

¿CÓMO NACIÓ CHARLOT?

Los comienzos del mito

Un día de 1914 Mack Sennett le dijo a uno de sus actores, un joven británico recién contratado llamado Charles Chaplin: "Para esta escena que vamos a filmar necesitamos un gag. Maquíllate y ponte un disfraz cómico. Cualquier cosa, pero que haga reír."
Chaplin entró en los vestuarios del estudio. Cogió unos pantalones de Fatty Arbuckle enormemente holgados, un chaqué estrecho y raído y un bombín perteneciente al suegro de Arbuckle, que había desechado cuando el gordo se sentó accidentalmente sobre él. Las botas de la talla 48 eran del gigantón Ford Sterling. Por último, se plantó un bigotillo postizo bastante ridículo y cogió un bastón de caña para sostener la desequilibrada figura.

Cuando salió, Sennett le pidió que describiera al personaje. "No es uno, es muchos -contestó Chaplin-. Es un tipo polifacético. Un vagabundo y un caballero. Un soñador, pero con sentido práctico. Te puede hacer creer que es un profesor de física o un jugador de polo, y aunque es un tipo orgulloso, no tiene inconveniente en recoger del suelo una colilla, robar el caramelo a un niño y, si está enrabietado, dar una patada en el culo a una dama."
Había nacido Charlot.

Con Charlot, por primera vez, un personaje de cine cómico era algo más que una caricatura que se caía. Era alguien creíble y humano. Chaplin, que había tenido una infancia miserable, con un padre que le abandonó y una madre demente, sabía bien del lado amargo de la vida. Por eso era capaz de ponerle al espectador un nudo en la garganta para acto seguido hacerle soltar una carcajada.

Pero Charlot era algo más que un personaje cómico. Era también un crítico feroz de la injusticia. Ahí están como prueba la corrosiva visión del capitalismo en Tiempos modernos (1936) o el encendido discurso final de El gran dictador (1940), en defensa de la libertad y la solidaridad.

Su bastón, su bombín y su bigote se convirtieron en el símbolo mismo del Cine y en una de las señas de identidad más representativas del siglo XX.

2006-12-19T15:48:00.000+01:00

INFILTRADOS
Martin Scorsese (2006)

Cuando las películas llegan al cine de mi pueblo (I)

SINOPSIS: El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Jack Nicholson) desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello. Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía. Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo...

Supongo que todos habéis visto esta película hace siglos; yo no, ya que aquí la estrenaron este fin de semana y, aunque normalmente suelo trasladarme a otros pueblos para verlas antes, éste no fue el caso de "Infiltrados".
Puesto que ya había leído numerosas críticas de la película, la mayoría de ellas muy positivas, no pude evitar ir a verla con prejuicios. Dado este condicionamiento, podían pasar dos cosas: que me decepcionara o que reafirmara dichos prejuicios. Afortunadamente, ocurrió esto último.

Estaréis de acuerdo si digo que posee unos diálogos absolutamente formidables desde la primera frase que desprenden los labios de Nicholson al hablar al "pequeño Damon"; diálogos éstos desbordantes de humor e inteligencia. Tampoco creo que me discutiérais el hecho de que las actuaciones, inevitablemente unas más que otras, son soberbias; o que el ritmo narrativo es el perfecto en cada momento de la película. Sería difícil, también, negar que la dirección es simplemente magistral, superando Scorsese, en mi opinión, el trabajo realizado anteriormente en películas como "Gangs of New York", "El aviador" e incluso, quizá, superando su "Casino". ¡Qué decir de los movimientos de cámara! Son formidables, formidables!! Impecablemente, la cámara se mueve con un dinamismo acorde en todo momento al que la situación requiere.
Aunque, por supuesto, podéis intentar rebatir alguna de mis afirmaciones ;P

En el trasfondo de la película podemos analizar varios detalles en los que repara Scorsese.
En primer lugar, ofrece una visión cruda y desgarradora del clero (recordemos la escena con la monja y los curas...), así como una visión, todavía mucho más crítica, sobre la policia y el FBI, a los que muestra como organismos desgarradoramente corruptos.
La violencia se entremezcla con el amor, simbolizado éste en la figura de la psicóloga, la cual actúa, de alguna manera, como si de la conciencia de ambos infiltrados se tratase.

Para finalizar, y en contraste con el rápido, sorprendente y dramático final de la trama, Scorsese nos muestra una imagen graciosísima en la que vuelve a hacer uso de una mordaz crítica sociopolítica: rematando el comentario en el que uno de los matones había dicho que "este país está lleno de ratas", aparece en pantalla una rata corriendo por el balcón de la casa de Colin (Damon), y, justo de fondo, el edificio del gobierno...

2006-12-18T21:08:00.000+01:00

¡SORPRESA!

PEQUEÑO INCISO:
Menuda ha sido mi sorpresa cuando he visto el nombre de "Arcadia" figurando en el ránking de blogs!
Ver para creer!

Podéis ver la lista aquí.

2006-12-18T14:47:00.000+01:00

POCOYO

La exaltación de la ternura

Os presento a mi amiguito Pocoyo, el personaje más adorable que se puede encontrar actualmente en el mundo de la animación. La calidad se entremezcla con la simplicidad creando un universo fantástico.
Pocoyo y yo nos conocimos en Irlanda, la tierra de los leprechauns, aunque me he enterado de que ultimamente también visita nuestro país, hospedándose en la 2.
Pocoyo nos enseñará un poquito de inglés, a pesar de que sus papás son españoles, a la vez que nos divierte con curiosos juegos y descubrimientos.
Aquí os dejo mi capítulo favorito, titulado "Drum roll please", donde podemos verle bailar; no tiene desperdicio ;D

Más episodios del pequeño gran Pocoyo (click para verlos):

Keep going Pocoyo no parece muy bueno saltando a la comba...
Don't touch Y menos vigilando... al más puro estilo policeman!
The big sneeze Aixx, esos estornudos...!

2006-12-15T21:59:00.000+01:00

GALLO Y FRUSCIANTE

Genio y genio

Me estaba preguntando: "¿Cómo podría unir mis dos grandes pasiones, el cine y la música, en un mismo post? (ehhh! qué buena pregunta, Manel) Tras pensarlo he dado con la respuesta. Teniendo en cuenta que mi músico favorito es John Frusciante (guitarra de los Red Hot Chili Peppers) y que uno de los directores a los que más admiro es Vincent Gallo (autor de "Buffalo '66" y "The brown Bunny"), me acordé de un extraño videoclip de Frusciante que había sido dirigido por el mismísimo Gallo. Así pues, aquí tenéis "Going inside" by John Frusciante y dirigido por Vincent Gallo:

You don't throw your life away
Going inside
You get to know who's watching you
And who besides you resides

In your body
Where you're slow
Where you go doesn't matter
Cuz there will come a time
When time goes out the window

And you'll learn to drive out of focus
I'm you
And if anything unfolds
It's supposed to
Ooh

You don't throw your time away sitting still
I'm in a chain of memories
It's my will
And I had to consult some figures of the past
And I know someone after me
Will go right back

I'm not telling a view
I've got this night to unglue
I moved this fight away
By doing things there's no reason to do
Ooh

2006-12-14T21:43:00.000+01:00

EL HOMBRE DE LA CÁMARA

El cine ojo

Tras la revolución rusa del 17, cineastas como Eisenstein, Pudovkin o Dovjenco se dan a conocer con películas como "La huelga" y "El acorazado Potemkin". Sin embargo, junto a lo novedoso del "Efecto Kulechov" (que mantenía que el orden del montaje de las tomas varía el significado de éstas), surgió otro hecho revolucionario, el "cine ojo" de Dziga Vertov; definido por él mismo como "el medio de hacer visible lo invisible, claro lo oscuro, evidente lo oculto, desnudo lo disfrazado".

En esta película, datada de 1929, se recoge un día en la vida de una ciudad soviética, aunque podría ser entendido, más bien, como un día en la vida de un operador soviético.
En ella, un operador provisto de su cámara se dispone a captar los sucesos del día: un hombre cuyo pie se ha atascado en las vías del tren, el vagabundo del parque que despierta, las fábricas que inician su producción... Atento a todos los acontecimentos, el operador filma. En la sala de montaje, una mujer corta y ordena la película.

Se nos presenta, así pues, la realidad a partir de "otros ojos", a partir de ese intermediario que nos acerca a la vida tal y como es. El hombre de la cámara filma desde todos los ángulos y en todos los lugares recogiendo la realidad que le rodea: una ambulancia atendiendo a un accidentado, mujeres en la peluquería frente a otras que trabajan, una cadena de empaquetados de cigarros, mineros extrayendo carbón, gente divirtiéndose en la playa, carreras de motos, etc. ...

"El hombre de la cámara" representa un intento de combatir las formas burguesas tradicionales de representación cinematográfica. Sin embargo, Vertov nunca pretendió copiar el funcionamiento del ojo humano, sino que deseaba revelar cómo, por debajo de lo inmediatamente visible, funcionaban las diferentes ideologías. Es, en definitiva, el cine del ojo que todo lo ve.
Tendrá gran trascendencia en el cine político iniciado por Jean-Luc Godard, así como en los vanguardistas alemanes y franceses o en los posteriores documentalistas.

2006-12-12T16:44:00.000+01:00

DOGME 95
o el cruce de cables

El Dogma 95 es una agrupación de cineastas que se fundaron en 1995 en Copenhague cuyos miembros primigenios fueron los daneses: Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen.
Éstos son autores de peliculas de la talla de "Dogville", "Europa" o "Celebración", pudiendo ser alguna, como ésta última, incluída dentro del cine moda indie.

En su manifiesto del 95 dicen que "el cine estaba muerto y pedía su resurrección", achacando esta muerte, entre otras cosas, al, en términos cinematográficos, individualismo reinante. Están también en contra de la artificialidad del cine, donde los sentimientos son ilusorios y superficiales.
En su denominado "Voto de Castidad" recogen sus principales postulados:

1) El rodaje debe realizarse en exteriores y no pueden introducirse ni accesorios ni decorados.
2) No puede haber sonido más allá del que relamente aparezca en escena (nada de música de acompañamiento).
3) La cámara debe sostenerse en la mano.
4) La película tiene que ser en color. La luz especial no es aceptada.
5) Los trucajes y filtros están prohibidos.
6) No debe contener ninguna acción superficial (como muertos o armas).
7) Cambios temporales y geográficos prohibidos.
8) No son válidas las películas de género.
9) El formato debe ser en 35 mm.
10) El director no debe aparcer en los créditos.

A los directores ya nombrados se han ido uniendo bastantes otros, entre ellos españoles como Juan Pinzas (si algún día os apetece ver una peli mala, mala, mala, ved su "Érase otra vez"). El grupo cuenta ya en su haber con más de 150 películas, por ellos denominadas "dogmas".

Bien, explicado esto, diré que este Dogma 95 me parece una tonteria descomunal, a pesar de que películas como las tres anteriormente nombradas me hayan gustado mucho.
Soy totalmente partidaria de la libertad creadora, no regida a una serie de limitaciones y pautas absurdas (véase la 10ª), creadas con un fin todavía más absurdo. Así es como se mata a la creatividad.
¿Acabar con el individualismo? ¿Qué quieren, crear un cine totalitario y unificador? Lo veo una completa majadería.

2006-12-11T15:16:00.000+01:00

IT'S TIME FOR REVOLUTION!

No podía pasar un día más sin ofreceros este cortometraje de Martín Rosete, "Revolución"; lo tengo desde hace bastantes meses en mi carpeta de "Cortos favoritos".
Siento no haber podido conseguir el original en castellano, este es en inglés, pero, aunque no lo dominéis mucho, no os desaniméis, hablan muy muy muy pero que muy claro y despacio, pronunciando cada palabra como si de un corto para niños se tratase. No obstante, si aún así no os creéis capaces, tened en cuenta antes de empezar estas palabras o expresiones clave:

Closet ---> armario yyyyyyyyyyy The middle ---> el centro
Bed ---> cama yyyyyyyyyyyyyyyyWall ---> pared
Table ---> mesa yyyyyyyyyyyyyy Window ---> ventana
Boredom ---> aburrimiento yy,y Revolution ---> revolución
Boring/Bored ---> aburrido yyyyCheer up ---> animar
Sleep ---> dormir yyyyyyyyyyyyyChange ---> cambio/cambiar

Puede parecer obvio, pero bueno, nunca está de más ;)

NOTA: Atención al detalle que hay justo al final, tras los créditos

It's time for revolution!

¿Nunca os habéis sentido así de imbéciles e impotentes?

I remember the time when I was a revolutionary...
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