martes, noviembre 28, 2006

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THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW

Jim Sharman, 1975


SINOPSIS: Janet y Brad son una pareja que, de regreso de la boda de unos amigos, acaban por refugiarse en un castillo en una noche tormentosa, tras averiarse su coche. Allí vive el Dr. Frank-N-Furter, que está construyendo una especie de Frankestein, el hombre perfecto.

Película de culto durante décadas, esta terrorífica y musical comedia ha logrado, a pesar de sus muchas y notables carencias, impactar al público durante generaciones. ¿Cuál es el secreto? Sin duda, la provocación.

Esta película no podría ser concebida sin la música, la cual no sólo la acompaña, sino que la estructura. A través de diversas canciones cuyos temas engloban desde el más libertino despiporre hasta la más profunda melancolía, se nos relata una historia de perversión, de libertinaje, pero también de sentimientos más profundos.
Los créditos iniciales ya son fantásticos. En ellos unos labios, siempre sugerentes, aparecen cantando una canción preludio de lo que acontecerá. Como ya indiqué con anterioridad, los medios técnicos son paupérrimos, usando un exceso evidente de zooms, en vez de los no tan cutres travellings de avance. Para pasar de una escena a otra suelen utilizar cortinillas de diversos tipos que denotan claramente parte de esta carencia de recursos. Pero el aspecto técnico no es lo que importa de esta película, ni mucho menos.
En principio, es una invitación explícita al PLACER sin importar las consecuencias, es decir, es una invitación a practicar el sexo sin mesura y en todas sus variantes (homosexualidad, bisexualidad...). Deja de lado el pudor para abrirse al goce ("I wanna be dirty!" gritará la protagonista femenina; "I'm just a sweet transvestite" corearán en una de las canciones; "Don't dream it, be it!" cantarán en otra de ellas). Pero, finalmente, se plantea la confrontación entre el conservadorismo y el libertinaje, el cual, finalmente, les convierte en esclavos de sus propios placeres.
Tim Curry hace una actuación, simplemente, inconmensurable; en el papel del transexual que incita a la pareja (Susan Sarandon y Barry Bostwick, ambos espléndidos en el filme) al desmadre. Un verdadero papelón. Aparecen, así mismo, referencias a películas como "King Kong" o "Frankenstein" y a la estética glam de alguna de las películas del mago Kubrick.
"I've seen blue skies through the tears in my eyes" Esto es lo que nuestro carismático transexual acabará advirtiéndonos. A partir de aquí, cualquier interpretación que hagáis es válida. La mía, por supuesto, me la reservo.

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domingo, noviembre 26, 2006

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EL PERFUME: Historia de un asesino

Tom Tykwer, 2006



¡Maravillosa! ¡Increible! Parecía imposible que un filme pudiera transportarnos hasta el mundo de las fragancias, de los aromas que, rodeándonos, nos pasan muchas veces desapercibidos. Pues sí, lo ha logrado. Tykwer utiliza para ello abundantes y fugaces planos detalle a través de los que, involuntariamente, nos sumergimos en ese mundo de olores.

Técnicamente es intachable, ni una sola pega le achacaría en ese aspecto. De hecho, la planificación y el montaje es excepcional, me atrevería a decir que inmejorable. El guión está maravillosamente resuelto a partir de la novela de Patrick Süskind. La fotografía, a cargo de Frank Griebe ("Desnudos", "Corre, Lola, corre"), llega, por momentos, incluso a emocionar; se nos muestran estampas bellísimas en términos cinematográficos. Resumiendo, una joya y paradigma de técnica de Cine.
El reparto, relativamente inexperto a excepción de Dustin Hoffman, está magistral, transmitiéndonos claramente una personalidad definida, sin incoherencias interpretativas. Grandes papeles los desarrollados por los jóvenes Ben Whishaw y Rachel Hurd-Wood.

Es un filme de los que no se ven todos los días (sobre todo ultimamente con la remake fever), con aspectos negativos prácticamente inexistentes; pero si tuviese que sacarle pegas nombraría la, quizá, exageración pasional de las últimas escenas.
El poder frente al amor. Esa es la continua pugna planteada durante toda la película y desvelada al final de la misma. La tristeza de aquel cuyo destino es el de no ser amado ni poder amar jamás hace preferir la muerte al poder infinito.
Belleza, belleza y más belleza es lo que encontraremos en esta película con aire a tragedia griega, con momentos mágicos y sublimes y con una calidad sobresaliente la mires por donde la mires.

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sábado, noviembre 25, 2006

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LA DALIA NEGRA
Brian de Palma, 2006

SINOPSIS: Ambientada en Los Ángeles en los años cuarenta, la historia comienza con el hallazgo en un solar del cadáver descuartizado de una mujer joven. El médico forense determina que ha sido torturada durante días, mientras conservaba el conocimiento. Un periodista bautiza a la víctima como "La Dalia Negra" por la manera en la que vestía.

El nuevo trabajo de Brian de Palma es correcto, pero ni mucho menos deslumbrante. El sabor que queda al salir del cine es, por lo menos en mi caso, el de la decepción. Es un thriller basado en la novela de James Ellroy ("L.A. Confidential") con ambiente de cine negro hollywoodiense.
La estética de la película recuerda mucho a "Los Intocables", así como la manera de contarnos la historia. Notamos, así mismo, la influencia de Hitchcock (como en la mayoría de las películas de De Palma) en la planificación: planos secuencia, rápidos movimientos de cámara con o sin grúa y, lo más destacable, los planos rodados a través de las ventanas.

En muchas ocasiones, sobre todo en las últimas secuencias del nudo, la película carece de intensidad y ritmo, provocándole al señor sentado a mi lado algún que otro bostezo. En el desenlace acaba lógicamente animándose, ya que se descubre la verdad de la historia, aparecen los culpables, los buenos acaban felices etc etc etc, lo típico vaya. Típica, esa es la palabra con que definiría la película, ¿un calificativo demasiado bajo para un De Palma? quizá pero ha demostrado poquísimo de maestría...

Con todo esto no quiero decir que sea mala película, ya he dicho que es correcta, pero en eso se queda. El reparto aporta mucho al filme y destacaría a una estupenda Hilary Swank.


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viernes, noviembre 24, 2006

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MULHOLLAND DRIVE


Quizá muchos habéis visto "Mulholland drive" y os habéis quedado pensando "no me he enterado de nada", pues tranquilos! He aquí las claves, muy útiles, que nos da Lynch en el DVD del filme para que no nos perdamos demasiado.

1. Poner especial atención al comienzo el film, ya que al menos dos pistas se revelan antes de los créditos de apertura.
2. Observar las figuras en la lámpara roja.

3. ¿Cuál es el título del film para el cuál el director Adam Kesler está eligiendo chicas? ¿Es
mencionado otra vez durante el film?
4. Un accidente es un acontecimiento terrible. Observar con atención el lugar del hecho.

5. ¿Quién entrega una llave? ¿Por qué?

6. Prestar atención a la bata, al cenicero y la taza de café.
7. ¿Qué es lo que se deduce y se siente en el Club Silencio?

8. ¿Solamente su talento fue lo que ayudó a Camilla?

9. Prestar atención a los acontecimientos que rodean al hombre que está detrás de la barra
en el bar Winkie's.
10. ¿Dónde está la tía Ruth?


Tras esto sólo me queda decir que, en principio, la recomiendo sin claves, aunque aquí os ofrezco la tentación. La primera vez que la vi, sinceramente, pillé muy poco de qué iba pero, una vez la vi un par de veces más, conseguí encontrarle la esencia. Un muy buen ejercicio para ejercitar nuestros adormilados cerebros.

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lunes, noviembre 20, 2006

Canon con eléctrica


Wow! Alucinante lo que este jovenzuelo es capaz de crear con su guitarra y su talento. Después de este video no me extrañaría que le llovieran las ofertas al tal "Funtwo".
Una auténtica delicia para los oídos!

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sábado, noviembre 18, 2006

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WORLD TRADE CENTER

OLIVER STONE 2006







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Creo que no fui al cine preparada para lo que me esperaba. No, no lo fui. Yo esperaba encontrarme una película patriótica (creo que sobra explicar el marco en el que se desarrolla la historia, pa eso no nos tragamos cada año la conmemoración del aniversario de la tragedia...). Sin embargo, dejando aparte algún comentario de esos que tanto gustan a los yankees del estilo "lucharé por mi patria", se nos han contado los hechos desde un punto de vista sorprendentemente objetivo, penetrando más en los sentimientos de las personas que lo sufrieron que en aspectos políticos o sensacionalistas.
Oliver Stone, siguiendo con su dinámica, ha trabajado muy bien el aspecto técnico del filme. Los efectos especiales están verdaderamente bien realizados, a mi parecer, sin exagerar lo más mínimo lo ocurrido.
Pero qué decir del bueno de Cage... aixx... pues que sigue sin gustarme nada. Vale, me diréis: "es que su papel en la peli era la del típico inamovible poli americano", y os daré la razón, pero, a lo largo de la película, su personaje va mostrando sus sentimientos, ablandándose (¡qué menos!) recordando a su familia y pensando que nunca más podrá verlos. Sin embargo, Cage sigue sin transmitir nada al espectador en ningún tramo de la película; lo único que cabe pensar es que no sabe actuar...
Por el contrario, el compañero de fatigas de Cage, Michael Peña, sí convence. Si no hubiera sido por él en esta película, centrada en los sentimientos más primitivos del hombre, no habría existido la emotividad. Él es quien logra que se nos escapen esas lagrimillas insurrectas.
Desde luego, si pudiera cambiar una sóla cosa de la película, cambiaría el final. Acaba sin realmente acabar, sin ese clímax final tan necesario en todo buen filme que se precie. Apreciamos una clara caída en picado en el tramo final del mismo, como si a Stone se le hubieran acabado las ganas de realizar la película y quisiera terminarla cuanto antes, sin importar si bien o mal.
A pesar de que "United 93" me parece superior a "World Trade Center", recomiendo verla de todos modos, ya que nunca está de más que ejercitemos nuestra empatía, y este filme lo consigue.

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miércoles, noviembre 15, 2006

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"EL LABERINTO DE SIMONE"



He aquí otro gran cortometraje con dirección española; esta vez es el turno de Iván Sáinz-Pardo.
Este autor es reconocido internacionalmente por diversos trabajos, entre los que destacan "El sueño del caracol", "Descanse en paz" o éste, "El Laberinto de Simone".
Iván juega con el misterio y la ambigüedad, rodeando todos sus cortos con ese halo especial que muy pocos logran transmitir.
Nos encontramos frente a un corto maduro y de gran calidad técnica, cuidado hasta el último detalle de su composición. Hay que destacar la interpretación de la niña que lo protagoniza, su gélida mirada logra, sin duda, petrificarnos.
No podéis perdéroslo!

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martes, noviembre 14, 2006

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EL CARDENAL
Otto Preminger
1963


SINOPSIS: Tras ser ordenado sacerdote, Stephen regresa a su Boston natal. Empieza para él un arduo camino donde su fé será puesta a prueba por la política de las altas esferas eclesiásticas.

Posiblemente, a unos os sonará Preminger por sus grandes obras "Cara de ángel" o "Anatomía de un asesinato", protagonizada por el inmortal James Stewart; a otros, más clásicos, por la codirección que realizara junto a Ernst Lubitsch en la fallida (todo hay que decirlo) "La dama del armiño". Sea como fuere, yo selecciono para esta entrada "El cardenal", por su ineludible carácter polémico tanto en el ámbito social, como en el político y el religioso.

El papel protagonista (Tom Tryon), así como el resto del reparto (Romy Schneider, Carol Lynley, Jill Haworth y otros), están maravillosamente representados, encendiendo esa luz que la película precisaba para deslumbrar. Se nos muestran escenas llenas de buen dramatismo, sobrecogedoras (como en la escena de los fotogramas de la izquierda, cuando, al final de la película, el cardenal recuerda sus vivencias; indicado ésto con esa lenta superposición de imagen).
Es, así pues, un filme que, sin duda, nos da que pensar acerca de muchísimos dilemas a los que Stephen debe ir enfrentándose: desde el tema del aborto al de la separación Estado-Iglesia, pasando por los métodos nazis o el Ku Klux Klan. En ocasiones, el protagonista antepondrá sus deberes como sacerdote y las "leyes de Dios", pero en otros, para bien o para mal, su lado más mundano se impondrá.
La fotografía esta cuidadosamente tratada desde la primera escena, en la que ya se nos muestra calidad técnica en las angulaciones, la planificación, el montaje y, por supuesto, la fotografía.
Argumento impecable, técnica sobresaliente. Peeeero sí tiene pegas. Hay determinadas secuencias en las que Preminger se recrea demasiado a mi parecer, siendo que éstas carecen de importancia en el contexto general de la obra; eso sí, nunca llega a aburrirnos. Además, se producen ciertas incoherencias en el carácter de Stephen que dudo sean hechas a drede, pues cuando éste ha sido el caso se nos ha hecho saber claramente.
Resumiendo: dilemas personales, insufrible angustia, problemas familiares, dudas de fe y discrepancias políticas; todo un apetitoso cóctel trabajado desde una pulida técnica.
Poco más me queda que añadir, así que terminaré recomendando a todos, como siempre, verla en versión original, pues no vale la pena hechar a perder ni ésta ni ninguna otra película a causa de un doblaje que la desmerezca (bueno, las de David Zucker da igual que las veamos dobladas o no jeje).

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lunes, noviembre 13, 2006

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ARTIS AMANTES

Con esta entrada pretendo informaros de la inaguración de un nuevo blog dedicado al mundo de la pintura cuya URL es: http://artisamantes.blogspot.com. Es un blog colectivo que realizo junto a mis compañeras Maggie e Indrackia, ambas tanto o más devotas que yo del Arte.

Es un espacio que iremos mejorando paulatinamente y en el que requeriremos también de vuestra participación a través de los comentarios que publiquéis.

Nuestra única motivación para la realización del mismo es la de intentar que todos, tanto nosotras como vosotros, disfrutemos del Arte y, aunque sólo sea por breves instantes, admiremos la Belleza que los grandes pintores de la Historia nos ofrecen.

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sábado, noviembre 11, 2006

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GINGER & FRED
Federico Fellini
1985


SINOPSIS: Un programa de televisión reúne a los veteranos bailarines Amelia y Pippo para presentar un número musical en el que imitan a la pareja inmortal de Fred Astaire y Ginger Rogers.


¿Comedia, drama, musical? Dicen que cuando no eres capaz de catalogar una película en un género determinado es porque esa es una verdadera película. Pues bien, no sabría dónde incluir ésta: "Ginger & Fred".

Federico Fellini es reconocido por películas tales como "Amarcord", "La dolce vita", "Los inútiles" o "La Strada"; sin embargo, yo quisiera destacar "Ginger & Fred" por su demostración de maestría y veteranía. Esta película supone el reencuentro de Fellini con su musa, Giulietta Masina, actriz con la que no trabajaba desde hacía ya veinte años. Acompañándola en el reparto, el omnipresente y no por ello menos excelente Marcelo Mastroianni. Ambos actores demuestran su saber hacer, así como su lado más sensible y conmovedor.

Exquisito guión, fotografía y reparto, ¿qué más se puede pedir? Esta es una pregunta que cada uno debe responderse; yo, por mi parte, respondo que nada. Además de superar con creces los requisitos básicos que todo buen film debe poseer, Fellini introduce aquí una crítica punzante a la sociedad italiana de la época. Nos muestra una sociedad que muy poco o nada ha cambiado hasta la actualidad, una sociedad obsesionada por minucias y cuya vida gira en torno a la apariencia y, como Fellini remarca, a la televisión: el individuo no tiene cabida en un medio, como su propio nombre indica, de masas.

Reencuentros, decepciones, nostalgia e incredulidad, todo ello tiene su particular papel en esta obra maestra del único Federico Fellini.

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jueves, noviembre 09, 2006

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David Lynch,
el aterciopelado hombre azul

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Lynch ha sido y será uno de los magos del Cine más sorprendentes y creativos que haya pisado la faz de la Tierra. Su Cine sin alardes logra convencernos, por increíble que pueda parecernos, de los mensajes más incoherentes e irracionales que podamos imaginar. Esto ocurre porque él mismo también es así, incoherente e irracional.

El Cine de culto no puede ser entendido sin conocer la retorcida figura de Lynch. Todas y cada una de sus obras esconden un enigma, enigma éste representativo, a su vez, del mayor de los enigmas: la mente humana. Lynch es un investigador, juega con la psicología de las personas, recordándonos por ello, en ocasiones, al gran Kubrick.

Si tuviera que definir su Cine con una sola palabra, escogería, tras mucha deliberación, "confusión". Sus obras son la confusión hecha película, lo cual implica magia, hipnotismo... en definitiva, fascinación.

Pero Lynch no se queda ahí, pues técnicamente es absolutamente intachable. ¿Cómo lo logra? Siendo polifacético, ya que su trayectoria no se queda "simplemente" en la dirección. No, Lynch también trabaja como guionista, compositor, fotógrafo, dibujante y productor. Todo ello hace que se convierta en uno de los personajes más completos e innovadores del panorama cinematográfico. Sus películas tienen, además, un aire a Cine clásico, claramente palpable, por ejemplo, en su peculiar fotografía.

Tenía pensado escribir brevemente unas líneas sobre cada película suya, sin embargo, no sabría por dónde empezar. Recomiendo rotundamente toda su filmografía y así saquéis conclusiones por vosotros mismos. Vale la pena!

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martes, noviembre 07, 2006

"LA RUTA NATURAL"



Cortometraje de Àlex Pastor, prueba inequívoca de la calidad nacional en cuanto a este género se refiere.

El cortometraje ha sido, en ocasiones, desprestigiado como un "arte menor" dentro del Cine; sin embargo, yo opino que es el arte de la condensación, el arte de exponer en el mínimo tiempo posible el máximo de emociones. Se sitúa, así, en un nivel muy similar al que la poesía ocupa dentro del mundo de la Literatura.

Que lo disfrutéis! ;)

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domingo, noviembre 05, 2006



"GAL"

"Está hecha desde una honesta subjetividad, ya que la objetividad es imposible"

Y que lo digas, Miralles, y que lo digas...
Si buscáis una película que tergiverse y politice hasta extremos insospechados, esta es la vuestra. Desde las primeras frases "explicatorias" del marco histórico en el que debemos situárnos, hasta las últimas frases (también "explicatorias" de como acaba "el tinglao") se nos bombardea con ideales políticos ausentes de imparcialidad. Esto es, sin lugar a dudas, una gran pega para toda película que se pretenda realizar de forma seria.
Pero ahí no acaba todo, ¡qué va! La interpretación de los actores es pésima, salvándose (y con 5 "pelao") el papel de Jordi Mollà. José García está realmente mal y Natalia Verbeke, más bien, catastrófica.
El director, Miguel Courtois, no ha logrado, ni de lejos, rozar el buen trabajo realizado en "Lobo".
Sin embargo, ha habido un par de detalles que cabe nombrar:
  • La secuencia inicial --> Si somos un poquito observadores, veremos cómo ésta es un homenaje/copia/plagio de la secuencia inicial de "El Resplandor". Pero, aviso, ni punto de comparación (por algo Kubrick es Dios...); los movimientos de grúa y/o helicóptero han sido terriblemente desastrosos a lo largo de todo el filme.
  • La escena del cigarro --> Bueno, ésta escena no debería llamarnos la atención en otras circunstancias, pero teniendo en cuenta la poca originalidad y capacidad de sorpresa que tiene el montaje, la planificación, la música, la fotografía, el guión y el trabajo de cámaras de esta película, la destacaré como una de las mejores del filme. En ella, el subcomisario Ariza tira al suelo su cigarro, en plano detalle, en el preciso instante en el que estalla el coche bomba que acaban de colocar.
  • El final sí me ha gustado, la verdad. Usando como recurso unas cámaras de vigilancia, se nos muestra un resumen de lo que ha sido la película a la vez que nos enseñan el seguimiento al que los protagonistas han sido sometidos durante todo el tiempo.
En definitiva, hay muy poco que salvar y mucho que condenar de esta película.

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sábado, noviembre 04, 2006

FELICIDADES!!

Esta entrada es, simplemente, para comunicar el 60 cumpleaños de la revista Fotogramas. La edición de este mes contiene un suplemento en el que se repasa la historia de la revista, aunque esto sea solamente la excusa para, de paso, hacer un rápido resumen de la Historia del Cine a partir de la II Guerra Mundial.
Desde Marilyn a Brad Pitt, pasando por genios como Jack Nicholson, nos sumergimos en un viaje en el tiempo, haciendo no sólo trabajar a nuestra memoria, sino también a esa memoria colectiva depositaria de la cultura del Cine.




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