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¿POR QUÉ BUSTER KEATON NO SE REÍA NUNCA?

Y DEMÁS HAZAÑAS

Varias cartas de admiradores habían llegado al despacho de Fatty Arbuckle (izquierda, junto a Keaton) con esa misma pregunta: "¿Por qué no se ríe nunca ese hombrecillo que aparece en sus películas?" Fatty, que hasta entonces no se había dado cuenta, visionó las tres cintas que habían hecho juntos y comprobó que era verdad.
En la siguiente le ordenó que sonriera en la secuencia final, pero el público abucheó la escena. En ese momento Fatty y el propio Keaton decidieron que ya no se reiría jamás y lo impusieron por contrato. Se habían dado cuenta de que cuanto más serio permanecía el actor, más se reía la gente.

Joseph Frank Keaton era hijo de una pareja de actores de vodevil. Con tres años el niño se le cayó a su madre por las escaleras y el mago Houdini (derecha), que era el jefe de la compañía en la que trabajaban, exclamó al ver la caída: "What a buster!" ("¡Vaya porrazo!"), y con ese nombre, "Buster", quedó rebautizado.
El número de los Keaton consistía básicamente en hacer caer al niño, estrujarle, zarandearle e incluso lanzarle contra el público sin que el pequeño moviera un solo músculo de la cara. Así que, con su experiencia como "bayeta humana" (ése era el nombre por el que se le conocía en el mundo de la farándula), Buster no tuvo muchos problemas para cumplir luego, de mayor, el contrato que le obligaba a permanecer serio.

Keaton creó un estilo cómico único basado en el estoicismo. Su inexpresividad chocaba con la disparatada actividad en la que se veían envueltos sus personajes: viajando por los peligrosos rápidos de La ley de la hospitalidad (1923), acosado por cientos de mujeres en Siete ocasiones (1925), penetrando literalmente en el interior de una pantalla en El moderno Sherlock Holmes (1924) o conduciendo una locomotora a través de las líneas enemigas en El maquinista de la General (1926).

Sus personajes se movían entre el heroísmo y la resignación. Siempre sin una sonrisa. Además, contaba con una increíble capacidad física. Él mismo realizaba en la pantalla los ejercicios más peligrosos sin utilizar nunca dobles. Todo ello hizo de él una de las estrellas más populares, ricas y de mayor éxito de los años veinte.

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NINE SONGS
Michael Winterbottom (2004)

Sexualmente explícita

SINOPSIS: Un verano, dos personas, ocho grupos, nueve canciones... Lisa es una estudiante estadounidense que está pasando un año en Londres. Matt la conoce en un concierto de Black Rebel Motorcycle en Brixton Academy y se enamora de ella. La película sigue el curso de la relación, jalonado por las canciones de cada uno de estos grupos a cuyos conciertos van: Black Rebel Motorcycle Club, The Von Bondies, Elbow, Primal Scream, The Dandy Warhols, Super Furry Animals, Franz Ferdinand, Michael Nyman... Entre la música y los grupos vemos a Matt y a Lisa haciendo el amor y cómo a través de esos encuentros sexuales se va desarrollando su relación, que dura hasta las navidades, cuando Lisa regresa a Estados Unidos.

Desde el Reino Unido nos llega esta película de la mano de Michael Winterbottom, autor de la entretenida "24 hour party people", la más que aceptable "Wonderland" o, más recientemente, del polémico film-denuncia "Camino a Guantanamo". Sin embargo, "Nine songs" es una metedura de pata descomunal e inexplicable. Es una de las películas que Papá Noel me trajo el pasado día 24 y, sinceramente, se lo podría haber ahorrado.

Por razones que todavía no comprendo, fue ganadora del Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Donostia-San Sebastián. Bien es cierto que juega continuamente con la luz y la sombra, con los colores, con la ambientación de las escenas en general; pero también es cierto que hay insulsos e inoportunos planos desenfocados y que abusa de la repetición de los recursos fotográficos que estéticamente funcionan.

Argumentalmente es un vacío de principio a fin. Simplemente, se limita a ofrecernos, más elegantemente que una porno, eso sí, una sucesión de encuentros sexuales que mantienen los dos jóvenes protagonistas. Esta película vendría a ser una "porno deluxe". Dichas escenas sexuales se intercalan con actuaciones musicales más o menos acertadas; la letra de las canciones que se van oyendo sirve, de alguna manera, de resumen de su propia relación. A su vez, son intercaladas imágenes de la Antártida, que es desde donde el chico cuenta la historia; contrastando estas heladoras imágenes con el calor pasional de las escenas de sexo.

Tras pasar un tiempo juntos, la chica marcha a su país, los EEUU, y el chico, por razones que, en principio, desconocemos, se va a la Antártida (quizá a que se le baje el calentón...). Poco más se puede decir de este desafortunado filme. Como reza el cartel: "69 minutos de sexo y rock n'roll"; para quien guste.

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EL LABERINTO DEL FAUNO
Guillermo del Toro (2006)

Cuando las películas llegan al cine de mi pueblo (II)

SINOPSIS: Tras la victoria de Franco, una niña, Ofelia (Ivana Baquero), acompañando a su madre, Carmen (Ariadna Gil), convaleciente a causa de un avanzado estado de gestación, se trasladan hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado el nuevo marido de ésta, Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona.

Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto y allí se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una increíble revelación: Ofelia es en realidad una princesa, ultima de su estirpe, a la que los suyos llevan mucho tiempo esperando. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas que poco a poco irá superando.

"El labrinto del fauno" es una de esas películas que, narradas como si de un cuento se tratase, te sumergen en dos universos paralelos. Por un lado, se encuentra la vida real, cruda, desoladora, devastadora y cruel, muy cruel. Por el otro, nos presentan el mundo de los sueños, de la maravilla, el mundo de la fantasía en el que todo es posible y, en definitiva, la vía de escape de ese otro mundo tan tenebroso como real.

La historia nos sitúa, en el tiempo, en 1944 y, en el espacio, en un molino en mitad de la nada, que perfectamente podría tratarse del descrito por Emilia Pardo Bazán en "Los Pazos de Ulloa". El ambiente que rodea a la historia ya entremezcla de por sí realidad y ficción, pues la casa-molino se halla rodeada de hermosos bosques de altos árboles que, gracias a una suave brisa, esparcen motitas de polen por doquier. Sin embargo, en ese idílico ambiente, se suceden los tiroteos entre fascistas y republicanos y la sangre y el odio invaden el aura, transformándolo, así, de repente, en un lugar desagradable.

Continuamente hay referencias a ese dilema entre lo real y lo fantástico. El azul, en representación de lo frío, y el amarillo, en representación de la calidez, se van alternando en las distintas secuencias. Las transiciones entre escenas son el detalle técnico que, en mi opinión, más llama la atención; sin embargo, esta no es una película que comentar en términos técnicos, no porque no tenga mérito técnicamente, sino porque el ámbito artístico-novelesco los eclipsa.

"El laberinto del fauno" es la historia de un cuento, un cuento que le sirve a Ofelia para desligarse de ese mundo cruel que prefiere no conocer. La niña mantiene continuas conversaciones con su madre y una de las sirvientas, en las que ellas le intentan bajar de las nubes: "La vida no es como crees, éste es un mundo cruel...", le dirá su madre.
¿Pero dónde está el límite entre lo real y lo ficticio? ¿Y qué es verdaderamente lo real? ¿Acaso nuestros sueños no pueden ser más reales que la propia realidad? Al final de la película, todavía no sabemos con certeza quien ha ganado la pugna, si lo real o lo ficticio; no en vano, aunque nos de la impresión de que, en ocasiones, se entremezclan, no dejan de ser mundos paralelos que, como las paralelas, se prolongan manteniendo las distancias ad infinitum.

Me parecieron tan maravillosas las frases de inicio y conclusión que no pude evitar anotarlas:

"Al principio de los tiempos vivían en armonía los bosques, los hombres y las criaturas mágicas..."
"La princesa dejó pequeñas huellas visibles sólo para aquel que sepa dónde mirar..."

Esta es una película, en definitiva, que te hará soñar, sufrir, emocionar... Es una película que demuestra, además, cómo una niña fantasiosa puede ser mucho más coherente y valiente que cualquier "héroe de guerra".

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10 AÑOS DE PUBLICIDAD CINEMATOGRÁFICA

Algunos somos los afortunados que contamos con un manojo extra de canales televisivos dedicados al Cine; algunos somos aquellos a los que nos llega mensualmente la revista de la programación del Digital+; algunos, los que nos fijamos en la publicidad de la misma.
Pues bien, he seleccionado una muestra de los más divertidos anuncios publicitarios relacionados con el séptimo arte contenidos en dicha revista mensual. Los carteles publicitarios abarcan desde el año 1996 hasta el 2006 y la mayoría de ellos son enfermizamente ingeniosos, sobre todo, y en mi opinión, los de Calle 13.

(Click en la imagen para ampliar)

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FELICES NAVIDADES UNIVERSALES
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Y Cine... mucho Cine!!

Simplemente desear a todos los seres del universo, os haya tocado la lotería o no, que tengáis un agradablemente memorable 2007 (eso en el caso de que uséis el calendario gregoriano) y unas felices fiestas!!

Pax hominibus bonae voluntatis!

Feliz Navidad y feliz año nuevo!
Nabidà! Goyosa añada benién!
Bon Nadal i feliç any nou!
Bon Nadal e bo ani novo!
Glædelig Jul og godt nytår!
Vrolijk Kerstfeest en een Gelukkig Nieuwjaar!
Colo sana wintom tiebeen!
Merry Christmas & happy new year!
Gajan Kristnaskon & Bonan Novjaron!
Hauskaa Joulua & 0nnellista uutta vuotta!
Joyeux Noël et bonne année!
Fröhliche Weihnachten und ein glückliches Neues Jahr!
Kala Christougenna ki'eftihismenos o kenourios chronos!
Mele Kalikimaka & Hauoli Makahiki Hou!
Nollaig Shona Dhuit! Idah Saidan Wa Sanah Jadidah!
Buon Natale e felice anno nuovo!
Shinnen omedeto. Kurisumasu Omedeto!
Sung Tan Chuk Ha!
Wesolych Swiat i Szczesliwego Nowego Roku!
Boas Festas e um feliz Ano Novo!
Pozdrevlyayu s prazdnikom Rozhdestva i s Novim Godom!
Noeliniz Ve Yeni Yiliniz Kutlu Olsun!

Y CINE... MUCHO CINE

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¿CÓMO NACIÓ CHARLOT?

Los comienzos del mito

Un día de 1914 Mack Sennett le dijo a uno de sus actores, un joven británico recién contratado llamado Charles Chaplin: "Para esta escena que vamos a filmar necesitamos un gag. Maquíllate y ponte un disfraz cómico. Cualquier cosa, pero que haga reír."
Chaplin entró en los vestuarios del estudio. Cogió unos pantalones de Fatty Arbuckle enormemente holgados, un chaqué estrecho y raído y un bombín perteneciente al suegro de Arbuckle, que había desechado cuando el gordo se sentó accidentalmente sobre él. Las botas de la talla 48 eran del gigantón Ford Sterling. Por último, se plantó un bigotillo postizo bastante ridículo y cogió un bastón de caña para sostener la desequilibrada figura.

Cuando salió, Sennett le pidió que describiera al personaje. "No es uno, es muchos -contestó Chaplin-. Es un tipo polifacético. Un vagabundo y un caballero. Un soñador, pero con sentido práctico. Te puede hacer creer que es un profesor de física o un jugador de polo, y aunque es un tipo orgulloso, no tiene inconveniente en recoger del suelo una colilla, robar el caramelo a un niño y, si está enrabietado, dar una patada en el culo a una dama."
Había nacido Charlot.

Con Charlot, por primera vez, un personaje de cine cómico era algo más que una caricatura que se caía. Era alguien creíble y humano. Chaplin, que había tenido una infancia miserable, con un padre que le abandonó y una madre demente, sabía bien del lado amargo de la vida. Por eso era capaz de ponerle al espectador un nudo en la garganta para acto seguido hacerle soltar una carcajada.

Pero Charlot era algo más que un personaje cómico. Era también un crítico feroz de la injusticia. Ahí están como prueba la corrosiva visión del capitalismo en Tiempos modernos (1936) o el encendido discurso final de El gran dictador (1940), en defensa de la libertad y la solidaridad.

Su bastón, su bombín y su bigote se convirtieron en el símbolo mismo del Cine y en una de las señas de identidad más representativas del siglo XX.

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INFILTRADOS
Martin Scorsese (2006)

Cuando las películas llegan al cine de mi pueblo (I)

SINOPSIS: El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Jack Nicholson) desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello. Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía. Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo...

Supongo que todos habéis visto esta película hace siglos; yo no, ya que aquí la estrenaron este fin de semana y, aunque normalmente suelo trasladarme a otros pueblos para verlas antes, éste no fue el caso de "Infiltrados".
Puesto que ya había leído numerosas críticas de la película, la mayoría de ellas muy positivas, no pude evitar ir a verla con prejuicios. Dado este condicionamiento, podían pasar dos cosas: que me decepcionara o que reafirmara dichos prejuicios. Afortunadamente, ocurrió esto último.

Estaréis de acuerdo si digo que posee unos diálogos absolutamente formidables desde la primera frase que desprenden los labios de Nicholson al hablar al "pequeño Damon"; diálogos éstos desbordantes de humor e inteligencia. Tampoco creo que me discutiérais el hecho de que las actuaciones, inevitablemente unas más que otras, son soberbias; o que el ritmo narrativo es el perfecto en cada momento de la película. Sería difícil, también, negar que la dirección es simplemente magistral, superando Scorsese, en mi opinión, el trabajo realizado anteriormente en películas como "Gangs of New York", "El aviador" e incluso, quizá, superando su "Casino". ¡Qué decir de los movimientos de cámara! Son formidables, formidables!! Impecablemente, la cámara se mueve con un dinamismo acorde en todo momento al que la situación requiere.
Aunque, por supuesto, podéis intentar rebatir alguna de mis afirmaciones ;P

En el trasfondo de la película podemos analizar varios detalles en los que repara Scorsese.
En primer lugar, ofrece una visión cruda y desgarradora del clero (recordemos la escena con la monja y los curas...), así como una visión, todavía mucho más crítica, sobre la policia y el FBI, a los que muestra como organismos desgarradoramente corruptos.
La violencia se entremezcla con el amor, simbolizado éste en la figura de la psicóloga, la cual actúa, de alguna manera, como si de la conciencia de ambos infiltrados se tratase.

Para finalizar, y en contraste con el rápido, sorprendente y dramático final de la trama, Scorsese nos muestra una imagen graciosísima en la que vuelve a hacer uso de una mordaz crítica sociopolítica: rematando el comentario en el que uno de los matones había dicho que "este país está lleno de ratas", aparece en pantalla una rata corriendo por el balcón de la casa de Colin (Damon), y, justo de fondo, el edificio del gobierno...

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¡SORPRESA!

PEQUEÑO INCISO:
Menuda ha sido mi sorpresa cuando he visto el nombre de "Arcadia" figurando en el ránking de blogs!
Ver para creer!

Podéis ver la lista aquí.

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POCOYO

La exaltación de la ternura

Os presento a mi amiguito Pocoyo, el personaje más adorable que se puede encontrar actualmente en el mundo de la animación. La calidad se entremezcla con la simplicidad creando un universo fantástico.
Pocoyo y yo nos conocimos en Irlanda, la tierra de los leprechauns, aunque me he enterado de que ultimamente también visita nuestro país, hospedándose en la 2.
Pocoyo nos enseñará un poquito de inglés, a pesar de que sus papás son españoles, a la vez que nos divierte con curiosos juegos y descubrimientos.
Aquí os dejo mi capítulo favorito, titulado "Drum roll please", donde podemos verle bailar; no tiene desperdicio ;D


Más episodios del pequeño gran Pocoyo (click para verlos):

Keep going Pocoyo no parece muy bueno saltando a la comba...
Don't touch Y menos vigilando... al más puro estilo policeman!
The big sneeze Aixx, esos estornudos...!

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GALLO Y FRUSCIANTE

Genio y genio

Me estaba preguntando: "¿Cómo podría unir mis dos grandes pasiones, el cine y la música, en un mismo post? (ehhh! qué buena pregunta, Manel) Tras pensarlo he dado con la respuesta. Teniendo en cuenta que mi músico favorito es John Frusciante (guitarra de los Red Hot Chili Peppers) y que uno de los directores a los que más admiro es Vincent Gallo (autor de "Buffalo '66" y "The brown Bunny"), me acordé de un extraño videoclip de Frusciante que había sido dirigido por el mismísimo Gallo. Así pues, aquí tenéis "Going inside" by John Frusciante y dirigido por Vincent Gallo:

You don't throw your life away
Going inside
You get to know who's watching you
And who besides you resides

In your body
Where you're slow
Where you go doesn't matter
Cuz there will come a time
When time goes out the window

And you'll learn to drive out of focus
I'm you
And if anything unfolds
It's supposed to
Ooh

You don't throw your time away sitting still
I'm in a chain of memories
It's my will
And I had to consult some figures of the past
And I know someone after me
Will go right back

I'm not telling a view
I've got this night to unglue
I moved this fight away
By doing things there's no reason to do
Ooh

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EL HOMBRE DE LA CÁMARA

El cine ojo

Tras la revolución rusa del 17, cineastas como Eisenstein, Pudovkin o Dovjenco se dan a conocer con películas como "La huelga" y "El acorazado Potemkin". Sin embargo, junto a lo novedoso del "Efecto Kulechov" (que mantenía que el orden del montaje de las tomas varía el significado de éstas), surgió otro hecho revolucionario, el "cine ojo" de Dziga Vertov; definido por él mismo como "el medio de hacer visible lo invisible, claro lo oscuro, evidente lo oculto, desnudo lo disfrazado".

En esta película, datada de 1929, se recoge un día en la vida de una ciudad soviética, aunque podría ser entendido, más bien, como un día en la vida de un operador soviético.
En ella, un operador provisto de su cámara se dispone a captar los sucesos del día: un hombre cuyo pie se ha atascado en las vías del tren, el vagabundo del parque que despierta, las fábricas que inician su producción... Atento a todos los acontecimentos, el operador filma. En la sala de montaje, una mujer corta y ordena la película.

Se nos presenta, así pues, la realidad a partir de "otros ojos", a partir de ese intermediario que nos acerca a la vida tal y como es. El hombre de la cámara filma desde todos los ángulos y en todos los lugares recogiendo la realidad que le rodea: una ambulancia atendiendo a un accidentado, mujeres en la peluquería frente a otras que trabajan, una cadena de empaquetados de cigarros, mineros extrayendo carbón, gente divirtiéndose en la playa, carreras de motos, etc. ...

"El hombre de la cámara" representa un intento de combatir las formas burguesas tradicionales de representación cinematográfica. Sin embargo, Vertov nunca pretendió copiar el funcionamiento del ojo humano, sino que deseaba revelar cómo, por debajo de lo inmediatamente visible, funcionaban las diferentes ideologías. Es, en definitiva, el cine del ojo que todo lo ve.
Tendrá gran trascendencia en el cine político iniciado por Jean-Luc Godard, así como en los vanguardistas alemanes y franceses o en los posteriores documentalistas.

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DOGME 95
o el cruce de cables

El Dogma 95 es una agrupación de cineastas que se fundaron en 1995 en Copenhague cuyos miembros primigenios fueron los daneses: Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen.
Éstos son autores de peliculas de la talla de "Dogville", "Europa" o "Celebración", pudiendo ser alguna, como ésta última, incluída dentro del cine moda indie.

En su manifiesto del 95 dicen que "el cine estaba muerto y pedía su resurrección", achacando esta muerte, entre otras cosas, al, en términos cinematográficos, individualismo reinante. Están también en contra de la artificialidad del cine, donde los sentimientos son ilusorios y superficiales.
En su denominado "Voto de Castidad" recogen sus principales postulados:

1) El rodaje debe realizarse en exteriores y no pueden introducirse ni accesorios ni decorados.
2) No puede haber sonido más allá del que relamente aparezca en escena (nada de música de acompañamiento).
3) La cámara debe sostenerse en la mano.
4) La película tiene que ser en color. La luz especial no es aceptada.
5) Los trucajes y filtros están prohibidos.
6) No debe contener ninguna acción superficial (como muertos o armas).
7) Cambios temporales y geográficos prohibidos.
8) No son válidas las películas de género.
9) El formato debe ser en 35 mm.
10) El director no debe aparcer en los créditos.

A los directores ya nombrados se han ido uniendo bastantes otros, entre ellos españoles como Juan Pinzas (si algún día os apetece ver una peli mala, mala, mala, ved su "Érase otra vez"). El grupo cuenta ya en su haber con más de 150 películas, por ellos denominadas "dogmas".

Bien, explicado esto, diré que este Dogma 95 me parece una tonteria descomunal, a pesar de que películas como las tres anteriormente nombradas me hayan gustado mucho.
Soy totalmente partidaria de la libertad creadora, no regida a una serie de limitaciones y pautas absurdas (véase la 10ª), creadas con un fin todavía más absurdo. Así es como se mata a la creatividad.
¿Acabar con el individualismo? ¿Qué quieren, crear un cine totalitario y unificador? Lo veo una completa majadería.

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IT'S TIME FOR REVOLUTION!

No podía pasar un día más sin ofreceros este cortometraje de Martín Rosete, "Revolución"; lo tengo desde hace bastantes meses en mi carpeta de "Cortos favoritos".
Siento no haber podido conseguir el original en castellano, este es en inglés, pero, aunque no lo dominéis mucho, no os desaniméis, hablan muy muy muy pero que muy claro y despacio, pronunciando cada palabra como si de un corto para niños se tratase. No obstante, si aún así no os creéis capaces, tened en cuenta antes de empezar estas palabras o expresiones clave:

Closet ---> armario yyyyyyyyyyy The middle ---> el centro
Bed ---> cama yyyyyyyyyyyyyyyyWall ---> pared
Table ---> mesa yyyyyyyyyyyyyy Window ---> ventana
Boredom ---> aburrimiento yy,y Revolution ---> revolución
Boring/Bored ---> aburrido yyyyCheer up ---> animar
Sleep ---> dormir yyyyyyyyyyyyyChange ---> cambio/cambiar

Puede parecer obvio, pero bueno, nunca está de más ;)

NOTA: Atención al detalle que hay justo al final, tras los créditos

It's time for revolution!



¿Nunca os habéis sentido así de imbéciles e impotentes?

I remember the time when I was a revolutionary...
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FAHRENHEIT 451
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Los Guardianes de la Felicidad

Allá por 1966, un hombre con una infancia difícil y una juventud todavía más truculenta llamado François Truffaut realiza su quinta película, tras haber realizado obras maestras tales como "Jules et Jim" o "Los cuatrocientos golpes"; dicha película no es otra que la impresionante "Fahrenheit 451". Debemos incluirlo dentro de la Nouvelle Vague francesa (a pesar de que se desligara de ella), ya que se usa este concepto para designar a los jóvenes directores que realizaron su primer largometraje entre 1958 y 1960. La mayoría de ellos procedían de la revista "Cahiers du Cinèma".
Esta película se divide en tres partes, la primera de ellas tiene por título "Era estupendo quemar". En ella nos presentan a Guy Montag, un bombero que trabaja para una de las brigadas de su ciudad. Lo curioso es que su misión no es apagar los incendios, sino provocarlos. Se dedican a quemar casas enteras con sus lanzallamas y todas ellas tienen algo en común: sus propietarios guardaban libros en su interior. A 451 grados en la escala Fahrenheit es a la temperatura a la que el papel de los libros arde. Guy nos resume muy bien sus pensamientos diciendo: "Constituía un placer especial ver las cosas consumidas, ver los objetos ennegrecidos y cambiados".

En la sociedad que se nos presenta está prohibido leer, está prohibido pensar y hay que ser feliz a toda costa. Esta felicidad se proporciona gracias a los medios audiovisuales; todas las casas poseen docenas de pantallas gigantes de televisión que les "comen el tarro". Desde allí se les inculca todo lo que deben pensar y cómo comportarse. Los suicidios no pueden ser reconocidos como tales en este mundo de felicidad y son catalogados como "descuidos".
En cierta ocasión, nuestro protagonista es partícipe de la quema de una anciana que se niega a separarse de sus libros. Montag se pregunta, por fin, qué será lo que contienen los libros para estar tan radicalmente censurados. La curiosidad le puede y coge uno de los libros de la pila. No voy a desvelar el final, pero es un debate moral sumamente interesante. Aquí el protagonista se debate entre aquellas teorías que afirman que la filosofía sólo lleva a la tristeza, que el hombre cuando reflexiona se siente pequeño y solitario, y la curiosidad que tiene por saber qué lleva a una persona a morir por el contenido de un libro.

Esta película recuerda enormemente al "Mundo feliz" de Huxley, ofreciendo una excelente reflexión acerca de si esos "Guardianes de la Felicidad" han existido y siguen existiendo verdaderamente. Yo, por mi parte, estoy convencida de ello.

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EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

Paradigma de Expresionismo

1919 - Situémonos en la Alemania de la postguerra. Es la época de autores como Fritz Lang y su "Metrópolis" o Murnau y su "Nosferatu, el vampiro". Pero vamos a centrarnos en la figura de Robert Wiene.

SINOPSIS: Dos amigos visitan una feria. En ella un tal Dr. Caligari muestra a un hombre capaz de adivinar el futuro. Uno de los dos amigos le pregunta al vidente hasta cuándo va a vivir, a lo que el adivino le contesta que no pasará de esa misma noche. Efectivamente, el joven amanece apuñalado en su propio cuarto. El otro amigo comienza a investigar al adivino y al siniestro doctor para averiguar la verdad sobre lo ocurrido.

Con "El gabinete del Doctor Caligari" Wiene realizó el primer gran clásico de las películas de terror y una de las obras más representativas del expresionismo alemán.

"La vio relativamente poca gente, pero sin embargo fue la película más ampliamente discutida de la época" Lewis Jacobs

"... fue una revelación y un reto..., una demostración de lo que una película es capaz como forma de expresión artística. Desafía al público a apreciarla y a aprender de ella" Exceptional Photoplays

Se emplearon decorados barrocos y surrealistas (lienzos pintados) como recurso a las restricciones gubernamentales sobre electricidad y alumbrado. Dadas estas limitaciones, pintaban las luces y las sombras en los decorados, utilizaban el claro-oscuro e incluso debían usar maquillaje tipo mimo para resaltar sus expresiones faciales.

La gran influencia que tuvo a posteriori se debe a sus tomas, realizadas desde extraños pero innovadores ángulos, y a las actuaciones absolutamente desquiciantes de sus protagonistas. Los cineastas expresionistas tienden a crear personajes atormentados, de psicología compleja, que se mueven por el mundo de la fantasía y el terror: vampiros, locos asesinos, monstruos... La fantasmagórica estética de las películas trata también de expresar el estado de ánimo de los personajes.

Esta influencia es claramente apreciable en el género del film noir, donde el efecto de la iluminación convertiría objetos convencionales en sombras expresionistas, así como en los posteriores thrillers psicológicos (como "Psycho" o "Repulsión" de Roman Polanski).